Venti Trasversali di Araminta Blue

Heat of the day_Aramita Blu_Foto via Gallery Rosenfeld

Venti Trasversali di Araminta Blue. Forze invisibili, corpi permeabili, destino contemporaneo al Palazzo della Penna di Perugia. Dal 13 giugno al 26 luglio, il corpo, la maternità e il destino nella pittura dell’artista britannica, per la prima volta in dialogo con il patrimonio storico del museo, a cura di Riccardo Freddo

Tra affreschi mitologici e stratificazioni architettoniche, dal 13 giugno al 26 luglio il Palazzo della Penna - Centro per le arti contemporanee di Perugia si attiva come dispositivo narrativo attraverso la mostra Venti Trasversali di Araminta Blue, artista britannica di caratura internazionale che porta negli spazi del museo umbro un corpus di opere pittoriche a olio intense e stratificate, in dialogo diretto con gli affreschi ottocenteschi di Antonio Castelletti, tra mito, destino e dimensione cosmica.

In una continuità tra mitologia e contemporaneo, Venti Trasversali, a cura di Riccardo Freddo in collaborazione con Rosenfeld Gallery e Le Macchine Celibi Società Cooperativa, concessionario dei servizi museali del Comune di Perugia, costruisce un percorso pittorico che, attraversando le sale del palazzo, mette al centro una narrazione cromatica ed evocativa in cui la maternità si declina come condizione simbolica e ambigua: dal ventre all’accudimento, il corpo emerge come confine e soglia, spazio attraversato e campo di forze, luogo in cui si inscrive il destino.

Una visione profondamente contemporanea che si innesta ai piedi e al fianco delle vicende mitologiche di Elena e Paride, delle apparizioni di Apollo e delle narrazioni classiche, trasformando il percorso espositivo in un racconto stratificato di identità, genere, libertà e memoria.

All’interno del Centro per le arti contemporanee di Palazzo della Penna – straordinaria testimonianza della complessità storico-artistica della città, edificato sui resti dell’anfiteatro romano e stratificato tra architetture medievali e interventi museografici contemporanei – la mostra si configura come una presenza viva, capace di riattivare il palazzo come spazio di attraversamento. Dalla residenza gentilizia della famiglia della Penna, che già nel XVII secolo custodiva una collezione d’arte, fino agli affreschi ottocenteschi del piano nobile e alla scala elicoidale ipogea progettata da Franco Minissi, ogni elemento contribuisce a costruire un ambiente in cui passato e presente si riflettono e si interrogano reciprocamente.

È qui che si inserisce il percorso: dalla luce alla notte, fino al vento. Nella prima sezione, la luce si fa presenza attiva e soglia percettiva, come in Voci al tramonto, dove il sole assume una forma ambigua e quasi antropomorfa insinuandosi tra corpi sospesi e possibilità non espresse, o in Compulsion, in cui la tensione del desiderio si traduce in una forza ascensionale che dissolve il corpo. La notte introduce una dimensione più intima e introspettiva: in Visioni al chiaro di luna il torso si apre come portale verso l’invisibile, mentre in Notti calde e pesanti il ventre si fa materia densa, quasi geologica, attraversata da memorie e proiezioni.

L’ultima sala, quella del vento, restituisce movimento e forza al percorso, diventando il punto di massima sintesi. Qui il vento non è elemento naturale ma forza invisibile che orienta e determina: in Guardando il cielo con i piedi nella terra la figura oscilla tra radicamento e slancio, mentre in Forza blu la libertà si rivela come negoziazione con ciò che la attraversa. In Passato ambrato la materia trattiene il tempo, tra peso e cura, fino a Verità di burrasca, dove il corpo, trascinato e frammentato, perde ogni controllo e trova nella vulnerabilità una forma radicale di adesione al mondo.

«Se un tempo erano gli dei a determinare il destino umano, oggi sono forze invisibili, emotive e naturali a modellare la nostra esperienza», spiega il curatore Riccardo Freddo. «La pittura di Blue rende visibile questa condizione di esposizione continua».

Araminta Blue nasce nel 1990 a Cipro e vive e lavora a Londra. Dopo il Master in pittura alla Slade School of Art nel 2019 e il BA presso la Ruskin School of Art, ha ricevuto numerosi riconoscimenti tra cui l’Artists Collecting Society Studio Prize ed è stata finalista al Chadwell Award, alla Derek Hill Scholarship e all’Hix Award. Le sue opere sono state presentate in mostre personali e collettive nel Regno Unito e in contesti internazionali, tra cui Christie’s e Bonhams a Londra. Nell’estate 2024 ha realizzato la sua prima mostra personale museale al MARV di Gradara, in Italia. La ricerca di Araminta Blue si concentra sul modo in cui lo spazio immaginato può diventare luogo di fuga e protezione rispetto alla realtà, ma allo stesso tempo strumento per guardarla con maggiore lucidità. La pittura a olio è utilizzata in modo estremamente fluido e sperimentale: diluita fino a comportarsi come acquerello, stesa in velature, strofinata e rimossa, oppure addensata fino a raggiungere una consistenza materica, quasi argillosa o cementizia. La tela viene trattata come un foglio da disegno, lasciando visibile il processo, tra stratificazioni traslucide e segni cancellati.

Venti Trasversali

di Araminta Blue

A cura di Riccardo Freddo, in collaborazione con Rosenfeld Gallery e Le Macchine Celibi Società Cooperativa, concessionario dei servizi museali del Comune di Perugia

dal 13 giugno al 26 luglio

Palazzo della Penna - Centro per le arti contemporanee Via Prospero Podiani, 11, 06121 Perugia PG

Orari di apertura: dal martedì alla domenica (lunedì chiuso) | 10:00-19:00

Info: +39 075 3745273 info.perugia@lemacchinecelibi.coop

Ufficio Stampa HF4 www.hf4.it

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Before a dawn storm_Aramita Blu_Foto via Gallery Rosenfeld 

Night_Aramita Blu_Foto via Gallery Rosenfeld

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amalia di Lanno

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Maria Lai: Essere è tessere

Maria Lai, Senza titolo, 1995, carta vernice. Courtesy © Archivio Maria Lai by Siae 2026

La Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee – museo Madre, Napoli presenta dal 25 giugno la mostra Maria Lai: Essere è tessere dedicata a una delle traiettorie artistiche più singolari dell’Italia del dopoguerra: articolata lungo oltre sei decenni, ripercorre le trasformazioni materiali, formali e concettuali attraverso cui l’artista ha ridefinito il rapporto tra arte, linguaggio, memoria ed esperienza collettiva.

Il progetto espositivo, a cura di Monica Amor e Carlos Basualdo in collaborazione con l'Archivio e la Fondazione Maria Lai, è organizzato secondo un percorso al tempo stesso cronologico e tematico e mette in primo piano la costante sperimentazione di Lai con assemblage, tessile, cucitura, collage e oralità, situando al contempo il suo lavoro all’interno di più ampi dibattiti sull’astrazione, la materialità, il femminismo e la crisi dell’oggetto artistico nell’Italia del dopoguerra.

La mostra e il catalogo che l’accompagna intendono inoltre affrontare significative lacune storiche e archivistiche, aprendo nuove linee di ricerca sull’opera di Lai. Attraverso documentazioni recentemente riunite, cronologie riviste, materiali d’archivio e analisi mirate di nuclei fondamentali di opere - tra cui i Telai, le Tele Cucite, i Libri Cuciti, le Geografie e le Fiabe- il progetto evidenzia la complessità di una pratica troppo spesso ridotta a categorie biografiche o regionali. Più che costituire un fine in sé, questo registro locale emerge come un filo strutturale cruciale attraverso cui Lai sviluppò una sofisticata riflessione sui limiti dell’oggetto artistico e del sistema dell’arte. Un’attenzione particolare è dedicata alla decisiva mostra del 1971 alla Galleria Schneider di Roma, qui presentata come un punto di svolta fondamentale in una traiettoria segnata da un’intelligenza materiale che ha costantemente destabilizzato i confini tra arte e vita.

Nell’ambito della mostra sarà realizzata una sala dedicata alla didattica, inclusa nel percorso, che accoglierà, accanto ad alcune opere di Maria Lai, specifiche attività e dispositivi legati all’apprendimento e all’approfondimento della pratica artistica.

Il catalogo, edito da Mousse Publishing, contiene un’introduzione di Monica Amor e Carlos Basualdo, un saggio storico di Monica Amor, schede di catalogo di Carol Armstrong, Giulia Brandinelli, Barbara Casavecchia, Michele D’Aurizio, Francesca Filisetti, Sharon Hecker, oltre a due saggi di Elisabetta Rattalino e Chandra Livia Candiani.

L’esposizione è realizzata con il supporto della Fondazione Tridama ETS e la collaborazione degli Amici del Madre.

In parallelo il Madre ospita la seconda mostra del Premio Meridiana, Living Collapse, a cura di Samuele Piazza (Parma, 1988), con gli artisti Andrea Bolognino (Napoli, 1991), Effe Minelli (Pompei, 1986), e Raffaela Naldi Rossano(Napoli, 1990), che si configura come un passaggio significativamente diverso rispetto al progetto precedente, curato da Gabriella Rebello Kolandra, restituendo la varietà di approcci e linguaggi che il Premio intende attivare, pur mantenendo alcune linee di continuità sul piano della ricerca. Anche in questo caso, infatti, la cornice curatoriale si delinea intorno a un riferimento storico che apre una prospettiva specifica, tramite la quale interrogare la complessità del presente. Il contesto è quello di una rilettura della tradizione presepiale, a partire dall’opera Presepio di Jimmie Durham, nella collezione del Madre. La mostra assume il presepe napoletano come dispositivo critico, evidenziando le affinità tra questa forma d’arte e alcune sensibilità della ricerca contemporanea. Ne emerge una lettura stratificata e non lineare della tradizione, filtrata attraverso le pratiche degli artisti invitati. A partire da questa matrice, i tre artisti, attraverso linguaggi che spaziano dal disegno alla scultura e all’installazione, sviluppano interventi inediti che danno forma a un paesaggio instabile, scandito da tensioni tra costruzione e rovina, umano e non umano, ordine e proliferazione.

Promosso dal Museo Madre e dagli Amici del Madre, con il sostegno di Antony Morato e Fondazione Tridama, il Premio Meridiana, curato da Mario Francesco Simeone, intende valorizzare la ricerca curatoriale e la scena artistica emergente con un focus specifico sulla Campania e sull’Italia Meridionale, favorendo il dialogo tra generazioni, contesti e linguaggi diversi. La prima edizione, intitolata “Ogni cosa è tutte le cose” e ispirata al romanzo “Conversazione in Sicilia” di Elio Vittorini, ha visto la partecipazione di 64 candidature ed è stata vinta dai curatori Gabriella Rebello Kolandra (Rio De Janeiro, 1993) e Samuele Piazza (Parma, 1988). Sino al 25 maggio è esposto il progetto Santa do pau oco a cura di Gabriella Rebello Kolandra, con le artiste Clarissa Baldassarri (Civitanova Marche, 1994), Maria Luce Cacciaguerra(Catania, 1997) e Anna Maria Maiolino (Scalea, 1942), riflette sul rapporto tra superficie e profondità, memoria e corpo, intrecciando riferimenti alla tradizione popolare brasiliana e alla spiritualità mediterranea attraverso sculture, video e installazioni, tra cui diversi lavori inediti e site specific.

Maria Lai: Essere è tessere

A cura di Monica Amor e Carlos Basualdo 

in collaborazione con l'Archivio e la Fondazione Maria Lai

museo Madre, Napoli

25 giugno – 21 settembre 2026

Madre 

Via Settembrini, 79
80139 Napoli

Orario: mercoledì – lunedì ore 10.00 - 19.30
www.madrenapoli.it

Ufficio Stampa
Sarah Manocchio | ufficiostampa@madrenapoli.it | +39 340 235 24 15
Alessandra Santerini | alessandrasanterini@gmail.com | +39 335 685 3767

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amalia di Lanno

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Nunzio Di Fabio. ANIMA MATERIA, dinamismo armonico tra colore, frequenza e gesto

ORIZZONTE IN ASCOLTO, dettaglio, olio su tela, 122.5 x 66.5, 2026

La Galleria Orizzonti Arte Contemporanea di Ostuni inaugura sabato 30 maggio alle ore 18.30 la mostra personale dell’artista abruzzese Nunzio Di Fabio, dal titolo ANIMA MATERIA, a cura di Germana D’Aloisio. 

Anima Materia è un progetto espositivo che indaga il punto di incontro tra dimensione spirituale e fisica, proponendo una visione della materia come organismo vivo, attraversato da energia e coscienza.

Fulcro della mostra è la ricerca inerente al Dinamismo Armonico, una pratica pittorica in cui l’energia del gesto e la forza del colore si armonizzano attraverso una costruzione materica basata su stratificazioni e attenti equilibri.

Il percorso di Nunzio Di Fabio, scrive la curatrice, nasce da ambiti non convenzionali: testi esoterici, geometria sonora, proporzioni pitagoriche e studio delle energie naturali, da cui deriva l’idea di una comune matrice tra suono e colore. Dai mandala degli anni Novanta, costruiti su forme simmetriche in cui il colore è una conseguenza di un calcolo armonico, la ricerca evolve nella pittura a olio, dove la struttura si apre al gesto. Si definisce così il Dinamismo Armonico: un equilibrio in tensione tra istinto e costruzione, in cui ritmo, colore e stratificazione agiscono come elementi di una composizione. L’opera si sottrae a una lettura immediata per aprirsi a un’esperienza graduale: da lontano si offre come visione unitaria, quasi paesaggistica; da vicino rivela una struttura complessa fatta di spessori, sovrapposizioni e connessioni tra i campi cromatici. In questo passaggio percettivo, ciò che appare istintivo si trasforma in costruzione consapevole, depositata nel tempo.

Il colore in Di Fabio non è decorazione, ma frequenza: una vibrazione capace di generare relazioni e tensioni. Gli accostamenti cromatici, saturi ma calibrati, costruiscono un equilibrio dinamico in cui il movimento non si oppone all’armonia, ma la rende possibile e l’armonia non è quiete, ma equilibrio di materia in movimento.

Anima Materia si configura dunque come una esperienza percettiva, di visione e tempo. Un invito a rallentare, a superare la lettura immediata, orientando l’osservatore verso un ascolto visivo più profondo. È proprio nel punto in cui la pittura smette di raffigurare e inizia a riecheggiare che si colloca il cuore della ricerca di Nunzio Di Fabio, una pittura che non rappresenta, ma risuona.

Nunzio Di Fabio
ANIMA MATERIA
dinamismo armonico tra colore, frequenza e gesto
a cura di Germana D’Aloisio

Inaugurazione sabato 30 maggio ore 18,30


Dal 30 maggio al 25 giugno 2026

Orario visite:
dal lunedì al sabato 10.30-14.00 e 16.30-19.30
domenica solo mattina

GALLERIA ORIZZONTI ARTE CONTEMPORANEA
Piazzetta Cattedrale (centro storico)
72017 Ostuni (Br)
Tel. 0831.335373 – Cell. 348.8032506
info@orizzontiarte.it - www.orizzontiarte.it
F: Orizzontiartecontemporanea

Communication Manager
Amalia Di Lanno
www.amaliadilanno.com - info@amaliadilanno.com

Vincenzo Agnetti – Mostra Premio Pascali 1973

Vincenzo Agnetti, Libro dimenticato a memoria, Vitalità del negativo 1970, ph. Aldo Spinelli

La Fondazione Pino Pascali presenta l’esposizione Vincenzo Agnetti – Mostra Premio Pascali 1973, a cura di Gaspare Luigi Marcone, nell’anno del centenario della nascita dell’artista. Oltre alla mostra, le celebrazioni a Polignano saranno accompagnate dal conferimento postumo all’artista del Premio Libro d’Artista – IV edizione in occasione e in collaborazione con la XXV edizione del Festival del Libro Possibile (8-11 luglio).

L’evento si inserisce nel prosieguo del progetto della Fondazione Pino Pascali Confluenze dedicato ad artisti che nel corso della loro carriera hanno incrociato la vita, la storia e l’opera di Pino Pascali, o sono stati insigniti dello storico Premio – istituito dalla famiglia dell’artista pugliese subito dopo la sua prematura scomparsa nel 1968 – innescando relazioni e straordinarie congiunture. Le precedenti tappe sono infatti state dedicate a Maurizio Mochetti, Vettor Pisani e Toti Scialoja.

Vincenzo Agnetti, come noto, è stato il vincitore del III Premio Nazionale Pino Pascali nel 1972 – dopo le edizioni vinte da Maurizio Mochetti e Vettor Pisani – a cui poi è seguita, l’anno successivo, la mostra personale presso la Pinacoteca Provinciale di Bari dal 21 ottobre al 21 novembre 1973. Agnetti fu proclamato vincitore da una giuria di alto profilo composta da Renato Barilli, Maurizio Fagiolo, Paolo Fossati, Daniela Palazzoli, Tommaso Trini e Filippo Franco Favale coadiuvati da Palma Bucarelli.

L’esposizione concepita da Gaspare Luigi Marcone per la Fondazione Pino Pascali, in collaborazione con l’Archivio Vincenzo Agnetti di Milano, si articola su più registri: da un lato una ricostruzione filologica e dall’altro una rievocazione contestuale e ambientale. Saranno esposte, infatti, sia opere fondanti per il percorso di Agnetti tra la fine degli anni Sessanta e l’inizio degli anni Settanta, sia lavori presenti nella storica mostra barese del 1973 o pubblicate sul relativo catalogo – Autotelefonata (1972), 14 proposizioni (1972), Identikit (1973) – oltre al grande Progetto per un Amleto politico (1973). L’Amleto di Agnetti – composto da decine di “bandiere”, “palco” e suono, è un lavoro per sua natura “teatrale”, adattabile alla scena espositiva, che si inserisce in quel tipo di operazione che l’artista chiama “teatro statico” inteso come “spettacolo senza movimento, senza personaggi e senza testo”; seguendo ancora le parole dell’artista: “volevo ad ogni costo azzerare, ridurre a un semplice segnale tutto il lavoro Amleto. Dimenticare tutte le rappresentazioni che da secoli fanno di questo personaggio l’emblema del dubbio […] volevo anche dimenticare l’altra faccia di Amleto, quella opposta che al dubbio preferisce il calcolo” (V. Agnetti, Tradotto Azzerato Presentato, Milano 1974).

Vincenzo Agnetti (Milano, 14 settembre 1926 – 1° settembre 1981) frequenta il Liceo Artistico di Brera; appassionato di teatro, per un breve periodo, lavora con Giorgio Strehler come attore giovane al Piccolo Teatro di Milano. Ventenne comincia a sperimentare il linguaggio poetico e quello artistico nel campo della pittura informale. Al fermento creativo degli anni Cinquanta, Agnetti partecipa come critico. Schivo e legato a pochi amici, frequenta soprattutto Piero Manzoni ed Enrico Castellani, principali soggetti della sua critica militante negli anni di “Azimut/h” (1959-1960), rivista e spazio espositivo per cui pubblica i suoi primi “scritti proposizionali” e “interventi spontanei”. Questi testi costituiscono il nucleo teorico della sua successiva ricerca artistica, in cui la riflessione sul linguaggio precede e struttura la produzione delle opere. All’inizio degli anni Sessanta, con il diploma di tecnico elettronico, parte con la famiglia per l’Argentina, dove rimarrà fino al 1967, occupandosi di automazione elettronica. È proprio in questi anni di distacco dal tessuto culturale milanese, che in seguito chiamerà “arte-no”, che Agnetti mette definitivamente a fuoco la futura ricerca in ambito artistico, poi sviluppata in un arco relativamente breve, tra il 1967 e il 1981, anno della sua morte improvvisa. Rientrato in Italia, dopo un passaggio da New York, inaugura per Vanni Scheiwiller la collana “Denarratori” con il romanzo sperimentale Obsoleto (1968), con copertina progettata da Enrico Castellani, iniziando, parallelamente, il suo percorso espositivo in spazi pubblici e privati. Ad Agnetti viene assegnato il Premio Pascali in un periodo d’oro della sua attività creativa guadagnandosi l’attenzione della giuria del Premio che, nel 1972, lo individua come rappresentante delle nuove sperimentazioni concettuali. Dopo importanti personali milanesi come alla Galleria Cenobio Visualità (1969), dove espone il suo primoteatro statico Macchina drogata, e alla Galleria Blu (1970 e 1971) dove presenta due dei suoi cicli più importanti, gli Assiomi e i Feltri, prende parte a grandi manifestazioni come Vitalità del negativo nell’arte italiana 1960/70 al Palazzo delle Esposizioni di Roma (1970-1971), la Biennale di Venezia (1972, dove ritornerà anche nel 1976, 1978 e 1980), Documenta 5 a Kassel (1972), la Quadriennale di Roma (1972) e, successivamente, la Biennale di San Paolo in Brasile (1973) e Contemporanea, Parcheggio di Villa Borghese, Roma (1973-1974). Agnetti in tutte le sue opere costruisce un linguaggio semantico nuovo, trovando nella scrittura il mezzo per formulare un pensiero critico che a sua volta si concretizza in opere, in un ciclo continuo, stimolo per altre riflessioni e nuovi concetti, che, come si legge nel testo a firma di Tommaso Trini del catalogo della mostra barese (1973) “corrodono criticamente le basi culturali stesse dell’arte”. In questo 2026, per il centenario della nascita dell’artista, molte esposizioni istituzionali celebreranno la sua ricerca in tuttaItalia, tra cui si ricordano: Vincenzo Agnetti: Sul Potere (Archivio Vincenzo Agnetti, Milano); Vincenzo Agnetti. Oggi è un secolo (GAM – Galleria d’Arte Moderna, Torino); Le strade terminano prima di cominciare. Vincenzo Agnetti le tracce fotografiche (MA*GA – Museo d’Arte Gallarate, Gallarate). Da ottobre 2026 a settembre 2027 il Museo del Novecento di Milano dedicherà all’artista un focus intitolato Vincenzo Agnetti. La poesia preparava segrete rivoluzioni.

Si ringraziano: Germana Agnetti, Guido Barbato, Federica Boragina, Anna Contro, Emilio e Luisa Marinoni, Sabrina Melle, Andrea Sirio Ortolani, Giorgio Verzotti, Bruno Vicentini; BKV Fine Art – Milano, Osart Gallery – Milano.

Vincenzo Agnetti – Mostra Premio Pascali 1973
a cura di Gaspare Luigi Marcone – assistente al curatore Anna Contro
in collaborazione con Archivio Vincenzo Agnetti – Milano

Inaugurazione: 5 giugno 2026, ore 18

Apertura al pubblico: 6 giugno – 27 settembre 2026
Orari: dal mercoledì alla domenica 10/13 – 16/20

Fondazione Pino Pascali, Via Parco del Lauro 119
Info: 080 424 9534
segreteria@fondazionepascali.it - fondazionepascali.it


Ufficio stampa:
press@fondazionepascali.it +39 3201122513

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ZIO ZIO tutto a posto

Alessandra Cecchini_notyourstory

A dieci anni dalla sua apertura, Spazio In Situ inaugura il 13 giugno 2026 alle ore 18 a Roma, in via Luchino dal Verme 173, il progetto ZIO ZIO tutto a posto, che nasce dalla collaborazione tra il curatore Fulvio Chimento e artisti che dal 2016 hanno dato vita a uno dei più interessanti artist-run space della Capitale: Alessandra Cecchini, Marco De Rosa, Chiara Fantaccione, Andrea Frosolini, Daniele Sciacca, Guendalina Urbani. Pur mantenendo la propria base operativa, gli studi d’artista, nel quartiere di Tor Bella Monaca, Spazio In Situ ha recentemente inaugurato una nuova sede espositiva in zona Malatesta-Pigneto, che accoglie il progetto ZIO ZIO tutto a posto. La mostra è visitabile fino al 4 settembre 2026 con ingresso gratuito.

ZIO ZIO tutto a posto è un progetto dedicato idealmente alle periferie italiane, con un focus sul quartiere di Tor Bella Monaca a Roma, dove gli artisti di Spazio In Situ agiscono culturalmente, e con successo, da dieci anni. Le periferie sono uno spazio autonomo di creazione, per la capacità di generare in modo diretto e spontaneo nuovi linguaggi e stili, che spesso divengono tendenze generalizzate in diversi ambiti: poesia, musica, danza, moda, arte. 

Chiave di lettura privilegiata di ZIO ZIO tutto a posto è il concetto di “lessico familiare”, che trova compimento nell’omonimo romanzo autobiografico pubblicato da Natalia Ginzburg nel 1963, incentrato sul concetto di riconoscibilità linguistica tra persone appartenenti a uno stesso nucleo. Se per la scrittrice il riferimento diretto è rappresentato dal lessico utilizzato dalla propria famiglia d’origine tra gli anni Trenta e Cinquanta, per gli artisti di Spazio in Situ questa indagine semiologica prende forma dal ricco contesto umano, paesaggistico e architettonico contemporaneo, offerto dal quartiere di Tor Bella Monaca. Il titolo del progetto rappresenta un’incursione nel “lessico familiare” utilizzato dalle “sentinelle” che sorvegliano le piazze di spaccio. “Zio zio”, infatti, costituisce il segnale che le sentinelle diffondono per comunicare ai pusher nelle vicinanze la presenza di pericoli potenziali: attraverso questo codice linguistico gli spacciatori hanno il tempo di dileguarsi. Ma se il segnale di alert si risolve in un nulla di fatto allora le stesse sentinelle comunicheranno un rassicurante: “Tutto a posto”.

Alessandra Cecchini (Rieti, 1990) con la serie intitolata (not your story) realizza piccoli souvenir in cemento dall’estetica intenzionalmente poco definita. I souvenir realizzati dall’artista rappresentano un’antitesi all’attrazione turistica, sono oggetti leggibili come reperto archeologico e scultoreo, ma anche “prelievi visivi” di luoghi iconici di Tor Bella Monaca: le torri di viale Santa Rita da Cascia, la Chiesa di Santa Maria Madre del Redentore, le statue dei leoni della fermata Metro C “Fontana Candida”. 

Daniele Sciacca (Chieti, 1994) realizza la doppia installazione video Dolly Dance che ha come tema quello dei fuochi d’artificio. L’artista crea un parallelismo tra il “ballo della pupa”, spettacolo pirotecnico tipico dell’Abruzzo, che si riferisce all’abbondanza e alla fertilità in agricoltura, e il sistema di segnalazione dei carichi di stupefacenti che sopraggiungono nella periferia romana. 

Il punto di partenza della video installazione Sentinel di Chiara Fantaccione (Terni, 1991) viene individuato nei codici di segnalazione delle marmotte: un fischio trasmesso alle altre sentinelle indica un potenziale pericolo. Ma il focus più ampio del suo lavoro è rappresentato dalla sovrapposizione di codici sonori appartenenti a diverse sfere (animale, umana, meccanica) e da un senso generale di allerta della condizione umana, che non trova mai appagamento e una rassicurazione immediata.

Marco De Rosa (Roma, 1991), con Lo spione, crea un dispositivo capace di collegare per mezzo di tubi in pvc i due ambienti sovrapposti dello spazio espositivo. Attraverso la parola, l’installazione innesca una comunicazione potenziale tra i due ambienti e, al tempo stesso, rende udibili e trasmissibili i commenti dei visitatori, inconsapevoli di questo disvelamento. 

Andrea Frosolini (Roma, 1993) nel realizzare ALL THE THINGS SHE SAID (this is not enough) pone l’accento sulla comunicazione non verbale: l’opera/“totem” si compone di tre poltroncine appese al soffitto con catene, collegate da corde da bondage e da manette. Le sedute sono state foderate dall’artista con la stoffa delle bandane in riferimento al “codice Hanky”: sistema di segnalazione, diffuso nella comunità gay americana a partire dagli anni Settanta, per generare riconoscibilità, oltre a indicare preferenze sessuali tramite il colore e il posizionamento di una bandana. 

La scultura Ritratto (senza consenso) di Guendalina Urbani (Roma, 1992) si presenta come un passamontagna contraddistinto dal realismo della sua texture. Questo oggetto è simbolo di un’immagine sfuggente, che esplora il confine tra visibile e invisibile, ed è carico di ambiguità, poiché esplicita l’irriconoscibilità del volto umano, ma lascia in evidenza gli occhi, la parte più espressiva del corpo. 

La periferia rappresenta dunque uno sguardo metafisico sulle ossessioni del mondo, una categoria generativa dello spirito in cui nascondersi, perdersi e autodeterminarsi.

Titolo: ZIO ZIO tutto a posto

Artisti: Alessandra Cecchini, Marco De Rosa, Chiara Fantaccione, Andrea Frosolini, Daniele Sciacca, Guendalina Urbani 

A cura di: Fulvio Chimento

Sede: Spazio in Situ, via Luchino dal Verme 173, Roma

Periodo: 13 giugno – 4 settembre 2026

Inaugurazione: 13 giugno dalle ore 18 alle 21.30

Orari apertura: su appuntamento (DM instagram + mail insitu.roma@gmail.com)

Sito: www.spazioinsitu.it

Pagina instagram: @spazioinsitu

Progetto grafico: Spazio In Situ

Ufficio stampa: insitu.roma@gmail.com

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amalia di Lanno

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“Cortili Aperti all’Arte” Visioni Possibili del Contemporaneo”

 

Comunicato stampa

“Cortili Aperti all’Arte” Visioni Possibili del Contemporaneo”

 

SANCTI NICOLAI CONVIVIUM  è presente anche quest’anno  all’undicesima edizione di “Bitonto Cortili Aperti”- manifestazione sotto l’Alto Patronato del Presidente della Repubblica con il patrocinio del Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo, voluta e organizzata  a fine maggio dall’Associazione Dimore Storiche Italiane . I cortili delle più’ importanti  dimore storiche di tutta Italia sono aperti e visitabili -

Nei giorni 23 e 24 maggio 2026 organizza la mostra d’arte contemporanea CORTILI APERTI

dal 23 maggio a giugno 2026 presso la sede dell’Associazione SANCTI NICOLAI CONVIVIUM Piazza

Cattedrale, 35 Bitonto (BA).

 

Vernissage:

23 maggio 2026 alle ore 18.30

Presenta la Storica dell’Arte  Rosanna Mele

Espongono:

 LUIGI BASILE FRANCO CARBONE- FRANCO CORTESE - GIUSEPPE DE SARIO - ANTONIO LAURELLI –  MASSIMO NARDI - DOMENICO SCARONGELLA - PAOLO SCIANCALEPORE - PAOLO DESARIO - PINO COLONNA – TASSOS BABASSIS

Un progetto che unisce il fascino della Storia alla forza espressiva del presente in dialogo tra spazi senza tempo e linguaggi visivi contemporanei.

 

La mostra sarà visitabile  dal 23 al 30 Giugno 2026 dalle ore 18,00 alle ore 20,30.

Ph.Letizia Gatti

Pure il vento di Raffaele Fiorella

La galleria Muratcentoventidue Artecontemporanea è lieta di presentare “ Pure il vento”, il nuovo progetto espositivo di Raffaele Fiorella.

Artista visivo caratterizzato da un approccio marcatamente multidisciplinare, Fiorella ha saputo consolidare nel tempo un’identità stilistica rigorosa, capace di far convivere videoarte, fotografia e installazioni site-specific. La sua opera si distingue nel panorama artistico attuale per l’abilità nel far dialogare l’innovazione dei linguaggi digitali con una profonda sensibilità estetica e una costante riflessione sulle dinamiche sociali e umane

In occasione di questa personale presso Muratcentoventidue, intitolata “Pure il vento” l’artista trasforma la galleria in una vera e propria "stanza della memoria". Attraverso un linguaggio che fonde scultura e visione digitale, Fiorella esplora la nostalgia intesa come un paesaggio vivo e pulsante.

Il progetto nasce dalla nostalgia intesa come pratica attiva di rilettura del presente. Si configura come un archivio intimo in trasformazione, costruito a partire da video conservati nei dispositivi digitali dell’artista: frammenti quotidiani, immagini accidentali, materiali destinati a perdersi nel tempo. Attraverso processi di selezione, riuso e rielaborazione, questi file vengono sottratti alla loro scomparsa e riattivati nello spazio espositivo. Le opere — videoinstallazioni, sculture e video-animazioni — traducono questa trasformazione in una tensione tra immaterialità e presenza. Il progetto si inscrive in un’ecologia delle immagini: non produce nuove visioni, ma lavora su ciò che esiste già, opponendosi alla dispersione e all’accumulo indistinto del digitale.

Nel passaggio dal privato al pubblico, l’archivio perde la sua dimensione chiusa e diventa attraversabile, condiviso. “Pure il vento” è una riflessione su ciò che resta: immagini che persistono proprio nel loro continuo rischio di scomparire.

Parallelamente all'attività di ricerca, Fiorella opera intensamente nell'ambito dell'arte pubblica e della didattica, collaborando stabilmente con università e istituzioni culturali. Il suo percorso espositivo include importanti tappe internazionali, tra cui le Biennali di Mosca e Pechino e diverse rassegne europee di videoarte. È titolare della cattedra di Applicazioni Digitali per le Arti Visive presso l'Accademia di Belle Arti di Bari.

PURE IL VENTO
Raffaele Fiorella

Inaugurazione Sabato 16 maggio 2026, ore 19.30

16 maggio – 30 giugno 2026

Muratcentoventidue-Artecontemporanea
Via G. Murat 122/b – Bari

Orari di apertura
La mostra sarà visitabile il mercoledì, il giovedì e il venerdì dalle 18 alle 20

il lunedì, il martedì e il sabato su appuntamento

Info
3348714094 – 392.5985840
http://info@muratcentoventidue.com
http://www.muratcentoventidue.com

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Le dita degli scrigni delle artiste gemelle Alicya e Maria Elena Ricciuto

Alicya Ricciuto_opera dettaglio

La mostra bipersonale Le dita degli scrigni delle artiste gemelle Alicya e Maria Elena Ricciuto (Isernia, 1997), a cura e con testo critico di Laura Catini, inaugura domenica 17 maggio, alle ore 17:30, negli spazi di MA 間Project, luogo di ricerca artistica fondato nel 2020 negli ex locali di una tipografia, in prossimità del centro storico della città di Perugia.

Le opere delle Ricciuto si pongono come contenitori di immagini-ricordi, evocanti sensazioni tattilmente percepibili nella nostra realtà odierna per il loro valore che varca il tempo del vissuto ed entra in contatto con i nostri giorni, al fine di comunicarci quanto sia importante tornare in quegli stessi luoghi della mente, dopo aver percorso altri territori. Hermann Hesse chiarisce come il viaggio che compiamo non è mai completo, se non si è in grado di apprezzare e di decodificare il nostro luogo di origine, pregno di sensi fondamentali per la coscienza umana, per la conoscenza di sé e l’appartenenza che, a sua volta, diviene passaggio intermedio e cardinale per la costruzione di una salda identità. 

La visione della fanciullezza assume i toni della concretezza del tempo presente che, sposando il tema del ricordo, mira sensibilmente alla ricostruzione malinconica e, unitamente, onirica del trascorso, sospendendo la percezione sensoriale tra la malinconia, il gioco, il familiare-domestico, l’imprescindibile rapporto con la natura (che conduce a gesti e azioni abitudinarie come la raccolta delle more) o l’assimilazione del dono come segno di affezione e riconoscimento dell’“io”, attraverso il reciproco scambio con l’“altro”. E ancora, l’osservatore potrà muoversi nello spazio, in cui la luce filtra dalle tapparelle, incastrandosi nella riflessione dei diversi tempi, e attraversa le maglie delle coperte e delle tende, ove si manifesta una figura materna, simbolo di protezione e cura, come i doni disegnati e poi disposti nella stanza, con tutto il loro peso specifico e la loro tridimensionalità. Questi divengono parte di un insieme mirante a stringere l’intero arco temporale, consolidato tra le arterie pulsanti del corpo e il calore del pensiero libero, in quanto appartenente a un “io” che avanza nella durata pura del vivere, e conseguentemente aperto nell’agire in maniera spontanea. Del resto, è da qui che sorge la possibilità creativa del fare artistico e dell’osservazione sensibile delle piccole minuzie, indispensabili per maturare nell’agire stesso dell’arte. Gli scrigni, con i loro prolungamenti, sono così in grado di rispondere agli interrogativi esistenziali che l’intera mostra si pone e che, liricamente, trasforma in luogo visibile e attraversabile.

Elena Ricciuto_opera dettaglio

Le dita degli scrigni
Alicya e Maria Elena Ricciuto
A cura e con testo critico di Laura Catini

17-31 maggio 2026

Visitabile sabato e domenica, ore 18.00-20.00, o dal lunedì al venerdì su appuntamento

MA 間 Project - Via Fratelli Pellas, 37, Perugia, PG, Italia
email: maproject.visual@gmail.com 

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Próthesis, mostra di Dafne Frasca

 

Sabato 16 maggio 2026 alle ore 18,30, lo Spazio MICROBA e la Fondazione Mons. Sante Montanaro, con la partecipazione dell'Associazione culturale Achrome, presentano Próthesis, mostra di Dafne Frasca, vincitrice del Premio “Green Talent” nell'ambito della 3a edizione del Premio Don Sante per l'Arte Contemporanea, organizzato dalla Fondazione casamassimese e curato da Giuliana Schiavone, Luisa Valenzano e Nicola Zito, che ha visto la partecipazione di 680 artisti provenienti da tutto il mondo e che si è concluso con una mostra collettiva dei 42 finalisti, dal 10 maggio all’11 luglio 2025 presso Palazzo Azzone, a Casamassima.

La personale dell'artista tarantina – che ha vinto anche il “Premio Giuria Popolare” – è curata da Maria Grazia Carriero e Nicola Zito, e presenta una selezione di opere di un inedito ciclo pittorico che, ribaltando il ruolo del dispositivo-finestra, attraverso spatolate materiche, offre una serie di visioni che non sono più nitide, ma che possono ricondurre a un universo personale e privato, nel quale viene custodita la propria intimità, che viene poi trasformata in espressione visiva (ma anche sonora).

L'esposizione di Dafne Frasca, che inaugura la collaborazione tra la Fondazione Mons. Sante Montanaro e lo Spazio MICROBA, sarà visitabile dal martedì al sabato, dalle ore 17 alle ore 20, e rimarrà aperta fino al 6 giugno 2026.


Dafne Frasca (Taranto, 1996) è un’artista visiva e ricercatrice, dottoranda presso l’Accademia di Belle Arti di Lecce, dove ha conseguito i diplomi di I e II livello in Pittura. La sua ricerca unisce arti visive e musica acusmatica, svincolandosi dai limiti di una sola disciplina per dirigersi oltre la doxa della percezione. Presenta performance sonore in contesti dedicati al paesaggio sonoro, tra cui Soundscapes of work and of play, San Cesario di Lecce (2019), e #ReSound, Corigliano d’Otranto. Ha pubblicato su riviste come “Arte e Luoghi”, “Artribune”, “Exibart” e “i.Con. Rivista internazionale di Teoria e Pratica dell’Immagine”. Dal 2024 collabora al progetto The Zone, Accademia di Belle Arti di Lecce. Ha partecipato a mostre in Italia e all’estero tra cui la Biennale dei Giovani Fotografi Italiani, Centro Italiano della Fotografia d’Autore, Bibbiena (2021), il Premio Nazionale delle Arti (2022), la collettiva Piccolo Mare, Tirana (2023), e Il digitale in gioco. Arte e design nell’epoca degli algoritmi, Lecce (2024). Nello stesso anno è stata finalista al Premio Isola Madre, ArtLab Eyeland – l’isola delle arti, a Taranto, e, in collaborazione con Salgemma, ha ottenuto la menzione extra della Pop-Up Open Call del PhEST di Monopoli. Nel 2025, in mostra alla 3a Edizione del Premio Internazionale

“Don Sante” per l’Arte Contemporanea, Fondazione Mons. Sante Montanaro, si aggiudica il Premio “Green Talent” e il Premio “Giuria Popolare”.

 

Dafne Frasca Próthesis

A cura di Maria Grazia Carriero e Nicola Zito

Progettazione sonora di Laura Aresta

MICROBA

Via Giambattista Bonazzi 46

70123 – Bari

Inaugurazione: sabato 16 maggio 2026, ore 18,30

Dal 16 maggio al 6 giugno 2026, da martedì a sabato, ore 17-20

Info: MICROBA

+39 3927385558 – spaziomicroba@gmail.com

https://www.facebook.com/microba46/?fref=ts  

ACHROME

+39 3470866802 – associazioneachrome@gmail.com  

https://www.facebook.com/acachrome/?fref=ts

Imogen Allen - Echo

Windsong 41x46cm, oil on canvas, 2026

MONTI8 è lieta di presentare “Echo”, prima personale italiana dell’artista britannica Imogen Allen che aprirà il 14 maggio, in occasione della Gallery Night.

Per questa occasione, l’artista ha realizzato un nuovo corpo di lavori che sviluppano il suo interesse per la natura e per il modo in cui noi ne facciamo esperienza. Piante, funghi e altri elementi dell’ecosistema incarnano il punto di partenza della sua ricerca, incentrata più sull’aspetto emozionale che la pittura comunica che sulla narrazione di una storia. 

Anche in questa mostra, Allen si concentra su un soggetto al quale recentemente si è dedicata in modo quasi seriale, le ali di farfalla. Attraverso questo soggetto, tuttavia, l’artista non vuole solo rappresentare delle ali intese come simbolo o crearne un racconto, ma guarda piuttosto al lato spirituale e all’esperienza emotiva che l’osservatore ne può fare. Guardando questi dipinti, infatti, siamo invitati a esplorare il nostro subconscio, che è chiamato a rispondere a input sensoriali suggeriti dall’uso di colori brillanti e forme naturali dai contorni sfumati che riempiono la superficie della tela. Tali forme, sono rappresentate sotto un nuovo punto di vista, sfocate e zoommate drasticamente per offrirne una nuova prospettiva. 

Scrive nel suo testo Maria Vittoria Pinotti: “Per Imogen Allen dipingere non significa soltanto rappresentare, ma indagare in modo macroscopico la parte più visibile della realtà, approfondendola e scandagliandola. Sebbene il punto di partenza sia la natura e il modo in cui venga percepita, ogni opera instaura un rapporto con ciò che appare più immediato, permettendoci di conoscerlo nella stessa misura con cui ce lo fa perdere. Concentrandosi sulle ali di farfalla, l’artista sviluppa una ricerca analitica che ne esplora forme, luci e profondità. Tale anatomia viene ingrandita a dismisura, le venature e la membrana che la compongono perdono il loro aspetto ordinario per trasformarsi in un’estensione di forme e tonalità. In questo processo, la pittura abbandona la sua qualità descrittiva e mimetica, mutandosi in un labirinto visivo, tanto per la mente quanto per l’occhio. Qui emerge il valore visionario della sua ricerca e proprio come teorizzava Wassily Kandinsky, la forma anche quando completamente astratta e geometrica possiede un suono interiore, per questa ragione nelle opere in mostra, il vedere si trasforma in ascolto, affinché ogni pittura si unisca alle altre fino a comporre gli echi di un’unica grande sonorità.”

La mostra è inserita nel programma di Contemporanea - Roma Gallery Weekend che avrà luogo dal 15 ale 17 maggio.

BIO

Nata nel 1997 a Newlyn (Cornwall) dove vive e lavora. Ha conseguito un BA in Fine Art Painting from Camberwell College of Arts nel 2020.

Tra le mostre recenti: Soho Revue Gallery, Unit London Gallery e Mulrooney Gallery. Ha partecipato a fiere quali Nada Miami Art Fair in 2025, Felix Art Fair in 2026 e Can Art Madrid in 2026.

INFO:

IMOGEN ALLEN - ECHO

Opening: 14 maggio H 18 - 20

Dal 15 maggio al 30 giugno

Testo a cura di Maria Vittoria Pinotti

MONTI8

via degli Ausoni 57 - Roma

Info@monti8.com | monti8.com | IG: monti8_

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Ilaria Sagaria. Tutto ciò che tace

Maja Arte Contemporanea è lieta di presentare Tutto ciò che tace, la seconda personale di Ilaria Sagaria (Salerno, 1989) negli spazi di via Monserrato 30 a Roma.

La mostra riunisce una selezione di venti fotografie realizzate tra il 2019 e il 2025, appartenenti a diversi cicli di lavoro – tra cui "Piena di grazia" e "Crisalidi" – insieme a un nucleo di opere inedite che dà il titolo all'esposizione.

Il percorso espositivo si sviluppa per accostamenti e risonanze, in una sequenza in cui le immagini tra di loro si richiamano, generando connessioni sottili e stratificate. Alla base della ricerca di Ilaria Sagaria vi è un processo che nasce da un'urgenza interiore: il bisogno di dare espressione a stati emotivi e pensieri che, attraverso un tempo di sedimentazione e approfondimento teorico, si traducono in racconto visivo. In questo senso, ogni scatto diventa un autoritratto, anche quando il soggetto non coincide con l'artista stessa. Ciascuna immagine è il frutto di una costruzione attenta – dall'ambientazione agli abiti, dagli oggetti alla scelta dei volti – a cui l'artista sottrae progressivamente gli elementi della messa in scena per lasciare affiorare una dimensione più essenziale. La formazione pittorica si riflette nell'uso della luce e del colore, così come nei rimandi alla storia dell'arte, che attraversano il lavoro senza mai tradursi in citazioni esplicite.

Come osserva Valentina Rippa, «i dettagli acquistano una centralità assoluta [...], elementi minimi si caricano di valore simbolico e sembrano trattenere una memoria latente». È nel dettaglio - nel punctum - che l'immagine può "ferire", attivando risonanze intime e non del tutto traducibili.

Il titolo "Tutto ciò che tace", ripreso dall'omonima serie, si estende all'intera mostra come chiave di lettura del linguaggio estetico dell'artista. Il silenzio ne è la condizione percettiva: si manifesta in gesti sospesi e tracce che affiorano senza imporsi, aprendo uno spazio di relazione.

Nelle opere esposte, natura, paesaggio e figura umana si offrono come presenze vive, sospese tra dimensione onirica e memoria archetipica. Il femminile, in particolare, emerge come spazio di trasformazione, in equilibrio tra fragilità e consapevolezza, tra adolescenza e maturità.

Il lavoro di Ilaria Sagaria apre una soglia: non chiude il senso, lo sospende, lasciando allo sguardo il tempo di sostare, nel silenzio.

La mostra segna un nuovo capitolo nella collaborazione tra l'artista e la galleria, iniziata nel 2023 con la partecipazione alla residenza "Una Residenza tutta per sé", promossa da Maja Arte Contemporanea in collaborazione con i collezionisti Umberto Morera e Anna Maria Balsano Morera, e proseguita con la doppia personale inaugurata nel dicembre dello stesso anno.

NOTE BIOGRAFICHE

Ilaria Sagaria (Salerno, 1989) vive e lavora a Milano. Dopo i diplomi in pittura e fotografia presso l'Accademia di Belle Arti di Napoli, ha lavorato tra Napoli e Monaco di Baviera. 

Le sue opere sono state esposte in gallerie, musei e Istituti Italiani di Cultura in Italia e all'estero, e presentate in numerosi festival internazionali, tra cui il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, il Verzasca Photo Festival, il Format Festival nel Regno Unito e il Centre de la photographie Genève. 

Nel 2021 ha realizzato una mostra personale alle Gallerie degli Uffizi, dove è tornata nel 2023 con una donazione alla collezione permanente degli autoritratti.

Vincitrice di numerosi premi, tra cui Portfolio Italia (2021), New Talent Prize (2023) e il Premio Portfolio del Festival Fotografico Europeo (2024), affianca alla ricerca artistica l'attività di insegnamento nelle discipline visive e audiovisive.

SCHEDA INFORMATIVA 

Artista: Ilaria Sagaria

Titolo: Tutto ciò che tace

A cura di: Daina Maja Titonel

Testo di: Valentina Rippa

Sede: Maja Arte Contemporanea, Via di Monserrato, 30 – 00186 Roma

Inaugurazione: Giovedì 14 maggio 2026, ore 18

Apertura al pubblico: 14 maggio — 27 giugno 2026 / Ingresso gratuito

ORARI MOSTRA: martedì – venerdì, ore 15.30 - 19.30 / sabato, ore 11-13 e 15-19

lunedì chiuso / altri orari su appuntamento

Info: +39 06 6880 4621 / +39 338 5005 483 / mail: info@majartecontemporanea.com

Sito: www.majartecontemporanea.com

Instagram: @majartecontemporanea

pubblica:

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