Mario Pompei. Essere scenografo. Bozzetti, scene e costumi

Gherardo Frassa, Teatrino di Mario Pompei, Collezione Ottavia Piccolo

L’universo visivo e teatrale di Mario Pompei torna protagonista nelle Marche con un’inedita e ampliata versione espositiva della mostra Mario Pompei. Essere scenografo. Bozzetti, scene e costumi. Promossa dalla Città di Jesi, la mostra si inaugurerà sabato 19 settembre, ore 18, negli spazi dei Musei Civici di Palazzo Pianetti (Sale Betto Tesei), e rimarrà aperta fino all’8 novembre 2026.

Un’esposizione che mette al centro la memoria del passato e la riscoperta del patrimonio, come sottolinea il Sindaco di Jesi, Lorenzo Fiordelmondo: «Trasmettere la memoria delle grandi personalità locali e nazionali del passato è un valore a cui teniamo particolarmente. In un’era in cui la globalizzazione è imperante, questa mostra è un'occasione per creare e alimentare un senso di appartenenza al patrimonio locale, salvaguardando la memoria e la specificità di ogni luogo». Un evento che si inserisce all'interno di una più ampia strategia di rete e sinergia culturale, dichiara l’Assessore alla Cultura Luca Brecciaroli: «La mostra inserita nel progetto “Dal teatro al museo... In scena!” pensato in una logica di rete ci permette di riunire sotto un unico cappello due forme d’arte apparentemente molto diverse tra loro, il teatro e la pittura, nonché di creare un dialogo tra due istituzioni culturali di diversa tipologia, un teatro e un museo offrendo un punto di vista nuovo nella lettura del patrimonio cittadino». Un ponte tra passato e futuro che trova nelle Sale Betto Tesei la sua sede ideale, come asserito dal Responsabile coordinatore dell’Ufficio Musei, Simona Cardinali: «Ospitare una mostra volta a riscoprire Mario Pompei come scenografo ai musei civici di palazzo Pianetti non significa offrire un rifugio a un passato remoto, bensì creare un presidio immerso nel presente, capace di generare domande a partire da personalità artistiche vissute in altre epoche per immaginare un futuro condiviso consapevole e fondato sul dialogo».

DALLA LIRICA ALLA PROSA

Accanto alle celebri tavole per l’opera lirica esposte lo scorso aprile a Palazzo Ricci a Macerata (tappa d’esordio del progetto in cui la Fondazione Carima ha ricoperto un ruolo centrale), la tappa jesina presenta una ricca selezione di bozzetti inediti per la prosa e il varietà, provenienti sia dall’Archivio Pompei (tutelato da Paola Pallottino) che da prestigiose collezioni private. Questo approfondimento sul lavoro riguardante la scenografia di prosa consente di mostrare al pubblico un ulteriore aspetto dell’eclettica produzione di Pompei. Anche questa volta, la mostra è curata da Pierfrancesco Giannangeli e Maria Letizia Paiato, con lo scenografico allestimento di Benito Leonori. Anche in questa edizione jesina, il pubblico potrà vedere come l’opera di Mario Pompei sia andata oltre la semplice realizzazione di scenografie. In merito, Pierfrancesco Giannangeli dichiara: «La mostra a Palazzo Pianetti è la testimonianza della grande capacità di Pompei di creare non semplici sfondi, bensì ambienti dove l’attore vive insieme al pubblico, e questa è la principale qualità per chi fa scenografia». Per Maria Letizia Paiato, l’appuntamento di Jesi segna la naturale consacrazione dell’artista: «In questa tappa Mario Pompei si conferma geniale creatore di mondi: un’alchimia visiva Déco, che trova la sua casa naturale in una città dalla grande tradizione lirica e del teatro d’opera». Tra i pezzi di spicco di questa esposizione figura il Teatrino di Mario Pompei, opera tridimensionale realizzata dal designer e creativo Gherardo Frassa ed appartenente alla Collezione dell’attrice Ottavia Piccolo. Il teatrino rappresenta uno sviluppo moderno del celebre logotipo ideato dallo stesso Pompei ed arricchisce concretamente questo vistoso allestimento. Per Paola Pallottino, storica dell’illustrazione e responsabile dell’Archivio Pompei, questo evento è inoltre l’occasione per ricordare un prossimo ed importante anniversario: «A quasi un secolo dalla memorabile rassegna della Biennale di Venezia del 1928, dove, giovanissimo, fu invitato tra i dodici grandi protagonisti internazionali della scenografia moderna, Mario Pompei ritorna con i suoi storici figurini e bozzetti di scena, qui esposti per la prima volta». 

LO SPETTACOLO RIPRODOTTO, L’AREA DIDATTICA E IL RUOLO DELLA FONDAZIONE PERGOLESI SPONTINI

All’interno di Mario Pompei. Essere scenografo, uno spazio speciale è riservato all’ampia sezione didattica - fulcro operativo per le scuole e per i laboratori creativi - costruita attorno alla riproduzione dello spettacolo Le peripezie di Pinco Pallino: nuova produzione di Fondazione Pergolesi Spontini (aprile 2026) con il contributo in Art Bonus di SIAE - Società Italiana degli Autori ed Editori. La fiaba musicale di Mario Pompei, diretta da Lorenzo Giossi, su libretto e musica di Gianluca Piombo, sarà, inoltre, in cartellone al Teatro Fraschini di Pavia per il 2027. Si rinnova così la sinergia con la Fondazione Pergolesi Spontini, che conferma il suo ruolo centrale nel progetto avendone curato sia la produzione dello spettacolo teatrale sia la pubblicazione del catalogo della mostra. A sottolineare l’importanza di questa collaborazione è il direttore generale Lucia Chiatti: «La Fondazione Pergolesi Spontini è lieta di prendere parte al progetto espositivo dedicato a Mario Pompei. Celebrarlo significa riaffermare l’attualità del suo sguardo e riconoscere nella scenografia non un elemento accessorio, ma un linguaggio autonomo, capace di trasformare lo spazio scenico in racconto visivo e di dare forma concreta all’immaginazione. Con questo progetto la Fondazione rinnova il proprio impegno a sostenere percorsi culturali che intrecciano tradizione e innovazione, memoria e futuro, nella convinzione che il teatro resti uno dei luoghi in cui una comunità si riconosce, si interroga e cresce».

DIDATTICA PER LE SCUOLE: “REGISTI DI CARTA”

Curato da Petra Leonori, il laboratorio per le Scuole Primarie e Secondarie di Primo Grado, dal titolo Registi di carta: in scena con Mario Pompei, guida gli studenti alla scoperta dell’universo creativo di Mario Pompei, svelando i meccanismi della macchina teatrale attraverso attività manuali che stimolano l’espressività, la progettazione artistica e la cooperazione in gruppi. Ogni laboratorio si concluderà con la messa in scena di brevi spettacoli, in cui ogni gruppo presenterà il proprio teatrino di carta davanti al resto della classe.

I laboratori si terranno dal 23 settembre all’8 novembre | Durata: 2h | Costo: € 5,00 a studente | Prenotazione obbligatoria: 0731 538439 – pinacoteca@comune.jesi.an.it

APPUNTAMENTI COLLATERALI: L’INCONTRO AL MUSEO BAILO DI TREVISO

A dimostrazione dell’ampio risalto nazionale dedicato alla figura dello scenografo, il 16 ottobre, alle ore 17, il Museo Luigi Bailo di Treviso ospiterà una conferenza di presentazione della mostra dedicata ai manifesti di Mario Pompei, conservati nelle collezioni civiche cittadine. Per l’occasione, questi saranno esposti in una speciale sezione temporanea all’interno del museo a partire dal giorno stesso dell’incontro.

CATALOGO

La mostra è accompagnata da catalogo edito da Amala§unta Edizioni di Monica Simoni con le presentazioni del Sindaco del Comune di Jesi Lorenzo Fiordelmondo, dell’Assessore alla Cultura, Eventi e Manifestazioni Culturali, Gemellaggi e Memoria Storica Luca Brecciaroli, del Direttore generale della Fondazione Pergolesi Spontini Lucia Chiatti, oltre agli interventi critici dei curatori Pierfrancesco Giannangeli e Maria Letizia Paiato, di Paola Pallottino e Agnese Sferrazza, del Direttore artistico della Fondazione Pergolesi Spontini Cristian Carrara e di un’introduzione di Simona Cardinali, Responsabile Ufficio Musei Civici di Jesi. Sono inoltre pubblicati gli interventi di Alessandro Tinterri e Elena Gottarelli, tratti dal catalogo della mostra di Ferrara del 1993 Mario Pompei. Scenografo, illustratore e cartellonista 1903 – 1958, oltre ad alcuni scritti di Mario Pompei selezionati da Pierfrancesco Giannangeli.

PATROCINI E CREDITI

Il progetto è finanziato dalla Regione Marche all’interno del bando “Dal teatro al museo... In scena” e gode del patrocinio di Fondazione Marche Cultura e Associazione Amici di Palazzo Buonaccorsi di Macerata. Hanno collaborato Fabrizio De Santis, Federico Balestro, Edoardo Montelli, Angelica Stronati, Aurora Binotto, Vincenzo Coccia, Mirko Cicconi, Lucrezia Perchiazzi, Gloria Sosi, Anna Sbaffi, Diana Gavini, Maria Accorroni, Maria Cecilia Riccioni, Lu Yi, Yang Qinrui, Liu Zilan, Sara Concetta Doronzo, Edoardo Buschi, Ma Zhuoran, Francesco Paoletti, Giorgio Perron Cabus. Con il contributo di Francesco Calcagnini, Andrea Comotti, Alessandro Cheli, Roberta Fratini, Benito Leonori.

Per la realizzazione del progetto si ringraziano gli eredi di Mario Pompei: Paola Pallottino, Michele Pompei, Silvia Pompei, Rita Pompei.

INFORMAZIONI

MARIO POMPEI. ESSERE SCENOGRAFO. BOZZETTI, SCENE E COSTUMI.

Sede: Musei Civici di Palazzo Pianetti (Sale Betto Tesei), Via XV Settembre, 10 - 60035 JESI (AN)

Apertura: 19 settembre – 08 novembre 2026

Orari: martedì – domenica e festivi: 10:00 - 13:00 / 16:00 - 19:00 (Chiuso il 22 settembre per la festa del Patrono); 23-24-25 settembre: 10:00 – 13:00

Biglietti: Ingresso gratuito alle Sale Betto Tesei | € 5,00 integrato con Pinacoteca Civica (€ 3,00 ridotto 6- 25 anni)

Tel: 0731 538439

pinacoteca@comune.jesi.an.it

STAMPA E COMUNICAZIONE

Comunicazione e promozione Comune di Jesi: Simonetta Sbarbati (si.sbarbati@comune.jesi.an.it) e Francesco Cherubini | 0731 538458

Yoruba APS (yorubaartecontemporanea@gmail.com | 3483556821 ) | Silvio Gobbi (silviogobbi1992@gmail.com | 334 154 9153)

NOTE BIOGRAFICHE SU MARIO POMPEI

Mario Pompei nasce a Terni nel 1903. Cresce a Roma, dove si trasferisce da bambino al seguito del padre, giornalista impiegato a “La Tribuna”. Sebbene costretto a interrompere gli studi per lavorare in una fabbrica di ceramiche, la sua vocazione alla creatività e al disegno, oltre alla passione per il teatro, lo conduce giovanissimo a realizzare allestimenti per spettacoli privati di marionette. Un’attività che lo metterà in luce agli occhi di Vittorio Podrecca che, nel 1919, lo chiamerà come scenografo al suo Teatro dei Piccoli, affiancando il giovane sedicenne a Bruno Angoletta e a Caramba, all’epoca già affermati illustratori. Da qui una fulminante e importante carriera come scenografo. Nel 1924 è impegnato con la Pàvlona, nel 1925 con la compagnia d’Arte di Pirandello, nel 1926 con Prandi alla Nuova Stabile romana all’Odescalchi, fondamentali anche i suoi contributi critici alla scenografia, a cominciare dal sostanziale Nascita dell’allestimento scenico in Italia, “Spettacolo” 1, Roma 1935. Non mancano, inoltre, le collaborazioni a giornali e riviste, fra le quali si ricordano quelle con “Play”, “Cuor d’Oro”, “Comoedia”, “Cordelia”, il “Giornalino della Domenica” e molte altre ancora. Nel 1927, anno in cui esordisce al “Corriere dei Piccoli”, lo vediamo impegnato nel Teatro delle Fiabe diretto da Pagnani-Fusconi. Nel 1928 presenta un suo teatrino alla Mostra di Scenografia alla XVI Biennale di Venezia e nel 1929, infine, per Ettore Petrolini cura gli allestimenti per Ottobrata e Nerone. A queste date Mario Pompei mostra tutti i caratteri del moderno linguaggio déco, di cui è indiscusso interprete e anche per ragioni anagrafiche, completamente sciolto da possibili origini liberty che invece appartengono, ancora e a questo periodo, ad esempio al maestro Bruno Angoletta, seppure come “matrice remota”, così come evidenziato da Rossana Bossaglia nel suo testo Mario Pompei e il Déco, pubblicato nel catalogo edito in occasione della retrospettiva dedicata all’artista nel 1993 a Ferrara (Mario Pompei 1993). Dagli anni Trenta in poi, Mario Pompei sarà impegnato nell’illustrazione dei Libri di Stato per la prima e la seconda elementare, realizzerà numerose copertine per le più importanti case editrici dell’epoca, lavorerà per le più belle riviste e giornalini per ragazzi, sarà alla Scala di Milano, all’Opera di Roma, divenendo uno dei più importanti scenografi, cartellonisti e illustratori del XX secolo. 

Muore a Roma nel 1958.

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amalia di Lanno 

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ARENA VISIONARI - PROLOGO

 

1m2 e Walter Loparco

 

presentano

 

Arena Visionari - Prologo

 

Il 19 e 20 settembre 2026 i Giardini Helianthus di Cisternino ospiteranno Arena Visionari – Prologo, primo capitolo del progetto di 1M2 e Walter Loparco dedicato all’arte contemporanea. Dieci artisti attraverseranno linguaggi differenti, tra scultura, pittura, fotografia, videoarte, mixed media, installazione e performance. Nel pomeriggio di sabato 19 settembre, il programma sarà arricchito dall’esibizione live del Solid Brass Quartet.

Dieci ricerche differenti costruiranno un percorso in continuo movimento tra materia, immagine, corpo e spazio. La scultura attraverserà i lavori di Giovanni Carpignano, Giuliet Françoismarie, Dario Giancane e Walter Loparco e si aprirà alla dimensione installativa con Giordano Santoro. La videoarte di Gianni De Serio, la fotografia di Angela Regina e la pittura di Patrizia Pareo introdurranno differenti modi di lavorare sull’immagine e sullo sguardo, mentre Massimo Nardi porterà nell’Arena il tempo vivo della performance e della body art. Alberto Vannetti amplierà ulteriormente il dialogo attraverso una ricerca mixed media.

L’idea di Arena è il cuore del progetto. Non una semplice successione di opere da osservare, ma uno spazio comune nel quale ogni lavoro mantiene la propria autonomia e, allo stesso tempo, entra in relazione con gli altri, con il luogo che lo accoglie e con chi lo attraversa. Il visitatore non sarà chiamato a seguire un unico punto di osservazione, ma potrà scegliere dove sostare, cosa seguire, quanto avvicinarsi e quali connessioni costruire lungo il percorso.

A dare forma concreta a questa idea è anche la conformazione dei Giardini Helianthus: uno spazio immerso nel verde, articolato in aree e terrazze differenti, con un palco dedicato a eventi e performance e sedute disposte intorno a una vera e propria arena nella vegetazione. Il paesaggio non sarà quindi una semplice scenografia: luce, vegetazione, dislivelli e caratteristiche dello spazio entreranno nella percezione delle opere e nell’esperienza del pubblico.

La dimensione performativa accompagnerà quella espositiva, introducendo nel percorso anche il tempo dell’opera che accade, si modifica e prende forma davanti allo spettatore. Il pubblico condividerà così non soltanto lo spazio delle opere, ma anche il tempo in cui alcune di esse si manifestano, costruendo un’esperienza fondata sulla presenza e sull’attraversamento.

Prologo è il titolo scelto per questo primo capitolo. Una dichiarazione d’intenti: Arena Visionari si colloca nella condizione dell’inizio, senza anticipare una forma già stabilita, ma aprendosi a un percorso destinato a definirsi nel tempo attraverso gli artisti, i pubblici e le relazioni che saprà attivare. Per due giorni l’arena diventerà così una forma temporanea da attraversare e abitare, nella quale le opere si avvicinano senza confondersi e il giardino si rivela attraverso nuove presenze.

Arena Visionari è un progetto di 1M2 e Walter Loparco, realizzato in collaborazione con Helianthus e con il patrocinio del Comune di Cisternino.

Il progetto è realizzato con il prezioso supporto di Panificio Zero, Beyond Brothers, Cala20, Osteria Piatti Chiari, C.A.V.I., Ferramenta D’Amico S.R.L., Impasti e Pizze d’Autore Antonio Bufano, Ferrara Ceramiche e Impresa Edile Palmisani.

 

ARENA VISIONARI – PROLOGO                                                                                         Sabato 19 settembre · 16:00–23:00                                                                                 Domenica 20 settembre · 10:00–22:00
Giardini Helianthus – Contrada Colucci 47 · Cisternino (BR)

 

Ufficio stampa: ufficiostampa@1m2.it

Sito web: https://www.1m2.it/

Pagina Instagram: https://www.instagram.com/arenavisionari/

Pagina Facebook: https://m.facebook.com/arenavisionari

Contatti: +39 3450853037 - info@1m2.it

Colore di sogni e paesaggi. Flavia Bucci, Francesca Mazzagatti e Michele Stagni

Flavia Bucci - Notturni 

Inaugura venerdì 18 settembre alle ore 18.00 la nuova mostra presso BoA Spazio Arte (via Barberia 24/A Bologna) Colore di sogni e paesaggi, che vede in dialogo le opere di Flavia Bucci, Francesca Mazzagatti e Michele Stagni, a cura di Margherita Maccaferri.

Il paesaggio non è mai soltanto un luogo. È una costruzione della memoria, dell'immaginazione e dello sguardo. Ogni volta che osserviamo un orizzonte, un volto, un corpo o una forma, non vediamo soltanto ciò che è davanti ai nostri occhi: vediamo anche ciò che portiamo dentro di noi.

Colore di sogni e paesaggi nasce da questa consapevolezza. Il colore non viene inteso come semplice elemento descrittivo, ma come linguaggio capace di trasformare la realtà, di alterarla e di renderla un territorio aperto all'interpretazione. È attraverso il colore che il mondo perde la propria apparente oggettività e si avvicina alla dimensione del sogno. Il sogno, infatti, non rappresenta una fuga dalla realtà, ma un altro modo di abitarla. Nei sogni le proporzioni cambiano, gli spazi si deformano, gli accostamenti diventano inattesi e i colori acquistano un'intensità emotiva che supera la logica del quotidiano. Allo stesso modo, le opere in mostra costruiscono paesaggi che non appartengono esclusivamente al mondo fisico, ma prendono forma nella percezione di chi li osserva. Il colore diventa il punto di incontro tra ciò che esiste e ciò che immaginiamo. Non descrive il reale: lo interpreta, lo amplifica, lo trasforma. 

Le opere di Michele Stagni, Francesca Mazzagatti e Flavia Bucci dialogano proprio su questo confine.

La mostra non propone un unico modo di guardare, ma una pluralità di visioni. Ogni opera suggerisce che il paesaggio non sia un luogo da attraversare, bensì un'esperienza da abitare. Il colore diventa il ponte tra due dimensioni, permettendo alle opere di essere lette non come rappresentazioni della realtà, ma come esperienze percettive ed emotive. 

BIO ARTISTI:

Flavia Bucci è nata nel 1990 ad Atessa, in provincia di Chieti, vive e lavora a Carrara; ha conseguito il Diploma in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Carrara. Frequenta il corso di specializzazione della Fondazione “Il Bisonte – per lo studio dell’arte grafica” e nell’estate 2022 partecipa alla residenza Da quassù, a cura di InHabitat/Galassia Mart; nel 2024 è vincitrice del Premio del Disegno (Galleria Scroppo, Torre Pellice, TO) e nel 2025 ha vinto il premio acquisizione di Spazio88 con la Galleria BoA Spazio Arte (Bologna).

Francesca Mazzagatti è un’artista calabrese del 1997 con origini arbëreshë. Negli ultimi anni partecipa a varie esposizioni e progetti nell’ambito dell’arte contemporanea. E’ stata finalista all’edizione 2024 e 2025 del Combat Prize del quale ha vinto il Premio Galleria nel 2025.

Michele Stagni è nato a Pisa nel 1978, vive e lavora a Livorno. Dopo gli studi artistici si dedica alla sua pratica artistica esplorando disegno, pittura e scultura,i linguaggi a lui più congeniali mentre acrilico, olio, grafite e argilla, carta e tela le tecniche e i materiali che predilige. Ha partecipato a diverse mostre personali e collettive e è stato finalista e vincitore di premi quali Premio Rotonda e Combat Prize.

INFO MOSTRA:
Flavia Bucci - Francesca Mazzagatti - Michele Stagni
Colore di sogni e paesaggi
A cura di Margherita Maccaferri
BoA Spazio Arte - via Barberia 24/A - Bologna
Vernissage venerdì 18 settembre 2026 ore 18.00
Periodo mostra: 18 settembre - 24 ottobre 2026
Dal martedì al sabato ore 10.30 - 13.00 / 16.00 - 19.30
boaspazioarte@gmail.com - www.boaspazioarte.it

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Dario Agrimi. Liscio come l'Odio

In Piazza Catuma ad Andria (BAT) una grande gabbia metallica attira certamente l'attenzione dei passanti. All'interno un uomo avvolto in un tappeto e sospeso con una robusta corda, come un impiccato. 

Nessun indizio sulla sua identità e sul motivo della sua presenza e ad accrescere la curiosità di chi guarda

il movimento lento e ripetuto delle gambe e del busto dell'individuo.

In un mondo in cui la pena di morte è purtroppo ancora praticata in molti paesi, in Oriente e nel civile Occidente, in un'epoca in cui l'odio motiva e nutre atteggiamenti ostili, in cui l'altro è visto sempre più spesso come nemico e non come fratello, in cui il diverso è sempre quello sbagliato, in cui il discrimine tra giusto e ingiusto si sposta di continuo a seconda degli interessi dei singoli, con Liscio come l'odio Agrimi ci costringe a riflettere su quanto accade intorno a noi o più lontano. 

Ci invita a liberarci dai pregiudizi, a rinunciare all'odio irragionevole che avvelena le menti e a godere pienamente - attraverso la mediazione dell'arte - della bellezza del mondo.

Soltanto così la vita avrà veramente senso.

Lia De Venere 

LISCIO COME L’ODIO 

Dario Agrimi

C’è odio.

Tutto scorre e passa quasi inosservato. Memoria corta e insani princìpi.

Un sentimento intenso e persistente di profonda avversione: ostile, inflessibile, intollerante.

Immaginare innumerevoli possibilità per danneggiare gli altri.

Un’idea fredda, duratura, razionale, fondata sul pregiudizio, tesa a negare il diritto di esistere.

C’è chi sostiene che sia la spinta necessaria per scacciare la sofferenza, ma sono solo punti di vista.

In un’epoca di falsa inclusione, dove chiunque diviene nemico perché diverso, discriminare è comportamento comune e socialmente accettato.

Viviamo in un mondo senza orizzonte di senso, nutriti da una bellezza facile da raccogliere.

Siamo esseri disumani affetti da ignoranza inconsapevole, schiavi dello sfruttamento della credulità popolare. Superficiali, forse affetti da un deficit cognitivo emblematico. Coinvolti in un vortice di isteria diseducativa.

Una collezione sesquipedale di “se” e di “ma” sarà radice di innumerevoli rimpianti.

Dovremmo imparare a guardare le cose come se fosse la prima volta. Con stupore. Godere di quanta bellezza ci circondi.

Provare a creare qualcosa che sia in grado di fermare il tempo.

Trovare nutrimento in ciò che dà un senso alla vita.

Attraverso l’arte essere cronisti dell’emozione.

Invece tutto scivola via, come unto. Le parole assumono suoni e significati distorti, profondamente alterati.

Come se gli unici “unti” fossimo noi, benedetti da un Dio indifferente.

Come se il pensiero e la vita avessero ancora un valore.

La realtà ci sfugge di mano, ma l’importante è che tutto fili liscio.

Liscio come l’odio.

Liscio come l'odio, visibile sino al 13 settembre, è stata realizzata con il sostegno del Festival Castel dei Mondi e con il contributo di Emmegi Grigliati Spa di Gioia del Colle, Associazione socioculturale Abracadabra e Palazzo delle Arti Beltrani di Trani.

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ARS MAGNA

 

                                                                   ARS MAGNA

 

Inaugurazione: sabato 5 settembre, ore 17:30

Periodo di apertura: 5 settembre – 27 settembre

Orari: sabato e domenica 10:00–12:00 e 16:00–18:00 

Sede: Pinacoteca di Villa Soranzo, via Simonetta 3, Varallo Pombia (NO)

curatore Vincenzo Scardigno

Contributi critici: Giovanni Cordero e Federica Mingozzi

Un percorso espositivo che mette in dialogo il patrimonio storico della Collezione della Pinacoteca con le ricerche dell’arte contemporanea, creando un incontro tra sensibilità, linguaggi e visioni differenti unite dalla forza espressiva dell’arte.

Opere di:

Albino Reggiori, Alfredo Caldiron, Angelo Bozzola, Antonio Calderara, Antonio Carena, Antonio Maria Pecchini, Bruno Coen, Bruno Polver, Claudio Borghi, Claudio Rotta Loria, Cristina Fusetti, Davide Pompili, Domenico Minniti, Domenico Pompa, Edoardo Toletti, Enrico Montonati, Florne Offergelt, Francesco Ingignoli, Gianni Travaini, Gianpiero Colombo, Gilberto Zorio, Giona Rossetti, Giovanni Campus, Giuseppe Pavia, Grazia Simeone, Henry Bekert, Ilirian Xhixha, Luca Lischetti, Luigi Sergi, Luigi Mainolfi, Marco Lodola, Mario Surbone, Mario Vitale, Massimo Nardi, Melina Merlino, Michelangelo Pistoletto, Miriam Pracchi, Omar Ronda, Osvaldo Provvidone, Pierluigi Meda, Pierangelo Bertolo, Piero Motta, Pietro Cazzola, Pirgiorgio Panelli, Raffaele Dragani, Raffaele Penna, Roberta Favara, Roberto Ciroli, Salvatore Fiori, Sara Dalla Costa, Stefano Venturini, Tina Parotti, Ugo Sanguinetti, Uldino Desuò, Urano Palma, Valerio Gaeti, Vanna Nicolotti.

                                                    

Dal patrimonio storico della collezione permanente alle nuove visioni: una mostra corale curata da Vincenzo Scardigno che celebra la continuità della ricerca artistica come linguaggio universale.

Varallo Pombia (NO) – La Pinacoteca di Villa Soranzo è lieta di presentare ARS MAGNA, un ambizioso progetto espositivo che fa confluire in un unico, vibrante percorso una selezione di opere della propria collezione permanente e i lavori di un gruppo di artisti contemporanei. La mostra, curata da Vincenzo Scardigno e arricchita dal contributo critico di Federica Mingozzi, gode del patrocinio del Comune di Varallo Pombia, della Pinacoteca Cesare Balossi, della Provincia di Novara e delle Terre dell'Alto Piemonte.  Lontana dal volersi configurare come un semplice confronto generazionale o stilistico, ARS MAGNA nasce dalla volontà di creare un punto di intersezione tra sensibilità, poetiche e visioni differenti. A unire le opere tensione verso la bellezza, il pensiero e la forza espressiva dell'arte. Il titolo stesso della mostra evoca il concetto di una "grande arte": una definizione che si spoglia di ogni celebrazione autoreferenziale o esercizio retorico per farsi carico di una profonda responsabilità culturale. L'arte viene intesa qui come uno strumento vivo,  capace al contempo di custodire la memoria e di generare nuove prospettive sul presente e sul futuro.

Sotto questa luce, la Pinacoteca di Villa Soranzo si trasforma in uno spazio dinamico di relazione e confronto. Le opere in mostra non subiscono una semplice giustapposizione fisica: si osservano, si interrogano e si rispondono reciprocamente in un gioco di specchi e rimandi naturali, dando vita a un racconto corale.

ARS MAGNA si configura così come un invito aperto al visitatore a riconoscere nell'arte un linguaggio universale che supera le barriere del tempo, unendo esperienze, culture e percorsi creativi distanti, e riaffermando il ruolo centrale del museo come presidio di conoscenza, dialogo e costante rinnovamento culturale.

 

 Pinacoteca di Villa Soranzo, via Simonetta 3, Varallo Pombia (NO) Piazza Mazzini n.1 Telefono                0321 95355

 

 

Dal patrimonio storico della collezione permanente alle nuove visioni: una mostra che celebra la continuità della ricerca artistica come linguaggio universale.

Pinacoteca Comunale "Cesare Belossi"

Spazio / Circo. Il ritratto collettivo di Napoli tra spazio urbano, volto umano, mutamenti urbanistici e pressione turistica

Spazio/Circo: Fotografie realizzate all'interno della residenza Spazio/Circo, progetto sostenuto da Strategia Fotografia 2025, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura: Autori (Studio KENE): Fausto Angel Alvarez Peralta, April Jael Avila, Aurelio Bonifazi, Valentina Catino, Gurpreet Singh. Courtesy Fondazione Beta 

Inaugura il 23 settembre 2026 alle ore 18 (fino all’11 ottobre 2026, ore 14), presso i Magazzini Fotografici di Napoli la mostra fotografica Spazio / Circo, a cura di Simona Filippini con la collaborazione di Carmen Pilotto, restituzione pubblica di un ampio progetto corale che utilizza la fotografia come strumento di indagine culturale e narrazione collettiva, attraverso trenta fotografie realizzate nella città di Napoli da cinque autrici e autori. Sono: Fausto Angel Alvarez Peralta (Repubblica Dominicana, 2005), April Jael Avila (Honduras, 1998), Aurelio Bonifazi (Italia, 1998), Valentina Catino (Italia, 1987) e Gurpreet Singh (India, 1993).

Sostenuto da Strategia Fotografia 2025 e promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura, Spazio / Circo è realizzato dalla Fondazione Beta in collaborazione con l’Associazione Pianoterra e lo Studio Kene. Il progetto ha visto svolgersi a maggio 2026 una residenza artistica di dieci giorni a Napoli che ha invitato cinque studenti dello Studio Kene, laboratorio permanente dedicato a giovani aspiranti fotografi.

Ogni giorno, durante la residenza, fotografi e professionisti si sono confrontati sul campo in sessioni di editing e revisione, in un progetto di produzione culturale e di formazione. Il risultato è un racconto fotografico di una città sfaccettata, che indaga il delicato rapporto tra rappresentazione visiva, mutamenti urbanistici e pressione turistica.

È Napoli, infatti, la protagonista di questa indagine, che a partire dal titolo, evoca una dimensione ludica e allo stesso tempo geografica, creando connessioni umane e territoriali: la città è attraversata dall’area urbana a quella periurbana, adottando un approccio partecipativo con l’intento di abbattere le barriere tra osservatore e soggetto. Sotto la guida di tre docenti, Mohamed Keita, Daniele Molajoli e Christian Rizzo, i partecipanti si sono concentrati sui contrasti del territorio campano, attraverso un percorso di osservazione critica articolato in dieci giornate. Il programma delle attività è stato suddiviso in tre blocchi didattici consecutivi.

Con Mohamed Keita i partecipanti si sono dedicati alla street photography concentrandosi sull'analisi del territorio e delle relazioni umane in alcuni quartieri chiave del capoluogo campano, tra racconto fotografico e trasformazioni urbane, archeologia e natura, Napoli altera e Napoli verace, attraversando Centro Storico, Quartieri Spagnoli, Bagnoli e Rione Sanità.

Sotto la guida di Daniele Molajoli, l’indagine si è spostata sul volto umano di Napoli, realizzando ritratti in analogico, con l’utilizzo del banco ottico, e in digitale. Lo studio del ritratto ambientato è stato fondamentale per creare un dialogo profondo tra soggetto e contesto circostante, con l’obiettivo di stimolare l’interazione e la conoscenza delle persone incontrate casualmente nello spazio pubblico. Tra le persone ritratte figurano anche alcune operatrici e beneficiarie dell’Associazione Pianoterra, che da anni lavora nel tessuto sociale napoletano con un’attenzione particolare alle famiglie più vulnerabili. 

Christian Rizzo ha focalizzato l’attenzione infine sulla post-produzione. Questo passaggio è finalizzato non solo all'ottimizzazione tecnica delle immagini, ma anche a impostare i criteri di coerenza stilistica e cromatica indispensabili alla costruzione di un racconto visivo collettivo.

“Spazio/Circo”, spiega Alessia Bulgari, Presidente di Fondazione Beta, “non è semplicemente una residenza fotografica ma anche punto d'incontro tra realtà che, in un continuo scambio, si affidano l’una all’altra, si stimolano nel conoscere ed approfondire, e che condividono il modo di intendere l’arte e la cultura: non come qualcosa da osservare a distanza, ma come una pratica capace di avvicinare a di creare legami, di aprire a nuove visioni e opportunità, e di restituire dignità ai luoghi e alle persone che li vivono. 

Le fotografie realizzate raccontano Napoli, ma raccontano anche il valore di queste alleanze: dietro ogni immagine c'è un percorso costruito negli anni con cura reciproca e responsabilità condivisa”. 

L’esposizione è accompagnata da un catalogo che racchiude una selezione delle immagini prodotte e i contributi testuali della curatrice Simona Filippini, di Alessia Bulgari presidente della Fondazione Beta, capofila del progetto, di Mohamed Keita e Carmen Pilotto di Studio Kene, di Ciro Nesci presidente dell’Associazione Pianoterra e dei docenti che hanno guidato la residenza. Il design del libro è a cura di Luigi Cecconi e Gabriele Savanelli. Il volume non costituisce soltanto uno strumento di memoria e promozione dell'iniziativa, ma è anche un mezzo per diffondere i contenuti e i metodi sperimentati durante il percorso.

Con questa occasione Fondazione Beta annuncia inoltre l’apertura nel 2027 di un nuovo centro educativo e culturale nel cuore di Spaccanapoli (Via Benedetto Croce 56), Lo Spazio, un progetto pensato per restituire alle famiglie e ai residenti del centro storico di Napoli un luogo di comunità, socialità e partecipazione. Al suo interno troveranno spazio i servizi e gli interventi di sostegno alla genitorialità e di contrasto alla povertà educativa che l’Associazione Pianoterra rivolge ai nuclei familiari più fragili, a cui si affiancheranno attività culturali, formative e comunitarie aperte a tutti, sempre con un’attenzione particolare al coinvolgimento delle bambine, dei bambini e dei loro genitori. L’obiettivo è quello di creare un luogo di inclusione, partecipazione e benessere, dove rallentare e ritrovare la dimensione umana di una città in continuo fermento.

Studio Kene è un progetto ideato e realizzato dal fotografo ivoriano Mohamed Keita: un laboratorio permanente di fotografia dedicato a giovani aspiranti fotografi. Il progetto nasce nel 2017 nel quartiere di Kanadjiguila, periferia est di Bamako, con il sostegno della Fondazione Beta. Il nome KENE, che in lingua mandinga significa “Spazio”, sottolinea l’identità di questo luogo: non solo laboratorio di fotografia, ma anche spazio di condivisione, relazione sociale e possibilità di crescita. Studio Kene è uno spazio educativo che utilizza la fotografia come esperienza chiave, ma che al tempo stesso si propone come luogo di scambio di esperienze, pensieri e conoscenze.

Dal giugno 2022 ha inaugurato una sede anche a Roma, nel quartiere Esquilino, città in cui Mohamed Keita vive e lavora da tempo, mantenendo intatto lo spirito originario del laboratorio di Bamako.

Magazzini Fotografici è un presidio culturale indipendente dedicato alla fotografia contemporanea e alla cultura visiva, fondato e diretto dall'artista fotografica Yvonne De Rosa. Lo spazio nasce con una missione precisa: rigenerare una vecchia fabbrica abbandonata e creare un luogo di incontro, ricerca e formazione aperto alla città e alla comunità internazionale della fotografia. Situato all’interno di un ex magazzino industriale, nel corso degli anni Magazzini Fotografici ha portato a Napoli il lavoro di grandi autori italiani e internazionali, accanto alla scoperta di giovani talenti e progetti di ricerca. Oltre a essere un luogo espositivo e ad ospitare il bookshop dedicato alla fotografia più fornito della città Magazzini è anche una scuola informale: un laboratorio permanente che collabora con università, accademie e istituti europei (Erasmus, tirocini, progetti formativi), affiancando studenti e giovani creativi in percorsi di crescita professionale. La fotografia è intesa non solo come immagine, ma come strumento di indagine culturale, sociale e antropologica. In passato ha ospitato le mostre su Gabriele Basilico, Letizia Battaglia, Sylvia Plaky, Jack Sal, Charles Traub, Lisetta Carmi, Gianni Minà, Mario Giacomelli.

Spazio /Circo – mostra – restituzione pubblica del progetto

opening: 23 settembre 2026, ore 18 – fino all’11 ottobre, ore 14

Magazzini Fotografici

Via San Giovanni in Porta, Napoli

Orari: dal mercoledì al sabato: 11:00 - 13:30 / 14:30 - 20:00. Domenica: 11:00 - 14:00

ingresso libero

ufficio stampa: Santa Nastro snastro@gmail.com

+39 3201122513

Fondazione Beta

amedeosiragusa@fondazionebeta.net

Spazio / Circo è un progetto sostenuto da Strategia Fotografia 2025, promosso dalla Direzione Generale Creatività Contemporanea del Ministero della Cultura

pubblica: 

amalia di Lanno 

www.amaliadilanno.com   

Alice Reina. A memoria di forma

Alice Reina_Janas, porcellana, 2026

Il 6 settembre 2026 apre al MIDeC – Museo Internazionale Design Ceramico A memoria di forma, la prima mostra personale di Alice Reina, a cura di Fabio Carnaghi, presentata come vincitrice di Premio MIDeC 2025. 

La mostra presenta un corpus inedito di opere scultoree e installative, che prosegue la ricerca tecnica ed espressiva di Reina sulla porcellana e sul tema dei luoghi della memoria. 

Come scrive Victor de Circasia in "Alice Reina. Il significato della semplicità nella ceramica / Creare spazio": "Il modo di vivere orientale, che trova bellezza nell'imperfezione, è il fondamento dell'antica consuetudine giapponese di celebrare la ceramica spezzata. Secondo molti, questo può favorire la realizzazione e la pace dell'essere umano, aiutandoci ad accettare le nostre imperfezioni. Da un'altra prospettiva, la continuità minimale e spezzata di massa e volume può fungere da fonte d'ispirazione; il frammento acquisisce la propria funzione. Le forme che l'artista crea dalla semplicità della ceramica mostrano un'elegante composizione di volumi elementari, su uno sfondo di architettura altrettanto raffinata, senza generare disagio attraverso l'instabilità. L'artista si muove verso l'astrazione, ma l'attenzione dell'osservatore resta temporaneamente catturata dal frammento, dall'esilità della composizione e dal suo equilibrio precario. Lavorare con lo spazio significa che la creazione di un oggetto può segnare l'inizio di una composizione interrotta, oppure costituire un pezzo già compiuto in sé, che funge da fondamento per una creazione ceramica più ampia. La sua formazione architettonica le ha dato oggi gli strumenti per costruire strutture nuove, impossibili da realizzare con i metodi ceramici tradizionali. L'elevazione verticale della composizione e la posizione inclinata dei pezzi sono impreziosite da un insieme di elementi scintillanti, colorati in modo casuale. Questo intervento non incornicia l'oggetto, e non ne costituisce il centro. Le elevazioni inclinate dell'opera sono rinforzate da alcuni elementi che si intersecano. Nel loro insieme, gli oggetti garantiscono continuità e controbilanciano la fragilità dei pezzi — una fragilità che, paradossalmente, ne ha facilitato la costruzione. Le strutture sono concepite come un'unica disposizione spaziale, che crea insieme una soglia verso una prospettiva. Gli elementi fragili e la superficie ruvida mettono in scena una lotta contro le forze di gravità e contro le forme stesse."

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Il passaggio della sua opera dal contenitore tradizionale ricorda una decostruzione, la nascita di una scultura. Da un lato spinge l'architettura ad avvicinarsi alla composizione, a guardare all'espressione del materiale; dall'altro se ne allontana, abbandonando la forma funzionale. Dieci anni dopo l'evento traumatico di una perdita improvvisa nasce la serie Janas (1): soglie sensoriali senza un fronte o un retro, forme che invitano l'osservatore a percorrerle. Il suo nuovo lavoro vuole assorbire il rumore e assumere una connotazione musicale — un aspetto importante, data la natura effimera di quest'opera che, nonostante le dimensioni considerevoli, viene smontata e trasferita altrove per creare, di volta in volta, una nuova architettura mobile e dinamica dello spazio. I nuovi pezzi inseguono il sogno di sedurre e superare l'oggetto concreto, per concettualizzare invece un simbolo di vita. La qualità unica della sua opera non sta in uno schema né in un oggetto immaginario, ma in un'immagine che appare per la prima volta in una forma senza margine, senza cornice — una forma che porta con sé un'indefinitezza e, al tempo stesso, un punto d'origine preciso man frammentario. Ed è un'immagine che trasmette ed esprime emozioni, richiamando alla nostra attenzione uno degli aspetti più importanti di un'opera d'arte: una forma distante, insieme immagine e oggetto. Il suo nuovo lavoro è dinamico, animato da un'espressione costante di movimento. Chi lo osserva sente il bisogno di avvicinarsi, e conserva il ricordo di un impatto forte. Più che un modello architettonico, la forma che la scultura assume arricchisce il progetto introducendo un oggetto autonomo. È la scala monumentale, più che la forma, a distinguere la ceramica costruita contemporanea. Come evoluzione del suo lavoro, la ricerca dell'artista verso un'opera nuova appartiene a una categoria estetica indipendente dalla funzione o dalla scala — legata piuttosto alla forma. Non cerca le origini, ed evita, comprensibilmente, di copiare. Ha una mano nel futuro.

(1) La parola sarda "janas" indica le fate, esseri sfuggenti e gentili che abitavano le foreste della  Sardegna pre-nuragica. Si ritiene che il loro nome risalga al dio romano Giano, che appare in cerchi ed è protettore delle soglie, dei passaggi e degli inizi. Forme circolari, aperte: lastre curvate quel tanto che basta per reggersi da sole, sottili ma resistenti. La superficie esterna è una stratificazione di ingobbi liquidi, sabbie di porcellana e smalti a cenere — una corteccia astratta che rivela la materialità grezza dei suoi strati. All'interno, per contrasto, la saturazione è affidata all'ossido di ferro nero, fatta eccezione per piccoli, candidi frammenti di porcellana biscotto.

— Victor De Circasia

Londra, 20 agosto 2026

MIDeC: Museo Internazionale Design Ceramico, Lungolago Perabò 5, Cerro di Laveno Mombello 

Alice Reina. A memoria di forma 

a cura di Fabio Carnaghi

APERTURA: domenica 6 settembre 2026, ore 11, in presenza dell'artista
PERIODO: 6 settembre – 30 ottobre 2026
ORARI: venerdì, sabato, domenica, 10–13 / 14–17

pubblica: 

amalia di Lanno 

www.amaliadilanno.com