Bisticcio. Jonathan Colombo e Peter Flaccus

Peter Flaccus, Red City, 2026, encausto su aluvetroresina, 48 x 39 cm 

Il 28 novembre 2026, Gallerie Riunite presenta la mostra Bisticcio, doppia personale che unisce la ricerca degli artisti Jonathan Colombo e Peter Flaccus. 

In mostra saranno presentate le opere di Colombo, tra frottage, sculture e installazioni, e i dipinti astratti a encausto di Flaccus, in un confronto che mette in relazione differenti approcci alla materia, al segno e alla composizione. Ancora prima di essere un battibecco tra due visioni, il termine bisticcio introduce un ulteriore livello di lettura: si tratta di una figura retorica — la paronomasia — ampiamente utilizzata nella produzione letteraria barocca, che si fonda sull’accostamento di parole dal suono simile ma dal significato differente, generando associazioni inattese e sorprendenti.

Nello spazio di Gallerie Riunite, i due artisti traspongono questo gioco linguistico nella materia: i loro lavori condividono la medesima riflessione sul movimento, sulla linea complessa e sulle forme del ghirigoro e dello scarabocchio, intese come tracce di un gesto in continua evoluzione, ma "bisticciano" poiché vi rispondono diversamente nel vivo del fare manuale. 

Così, linguaggi, forme e gesti distinti entrano in relazione, producendo nuove corrispondenze e ambiguità.

Secondo uno stilema del poeta barocco Giovan Battista Marino, Jonathan Colombo e Peter Flaccus fanno dello “sfregio” della materia il suo più grande valore, che rivendica così la propria presenza fisica e vibrante nel mondo. In un'epoca dominata dal funzionalismo e dal calcolo algoritmico, dove tutto è liscio e predefinito, la loro pratica artistica si rifugia nell'errore controllato della mano e nella forza della materia, vera e propria co-agente. 

La ricerca artistica di Jonathan Colombo spazia dal disegno alla scultura, fino alla performance. Il frottage rappresenta una delle sue tecniche privilegiate: sovrapponendo un foglio alla superficie dei lacci delle scarpe e strofinandovi una matita, l’artista ne restituisce le trame, dando origine a forme inaspettate. 

Proprio dall’elemento delle scarpe prende avvio una riflessione sul concetto di fastidio, evocato dall’immagine del sassolino che, insinuandosi nella calzatura, provoca una sensazione di disagio. Da questa suggestione nascono delle perle, in una sorta di processo di trasformazione che richiama quello dei molluschi, capaci di convertire un corpo estraneo e irritante in una forma preziosa. A questo immaginario si lega anche l’utilizzo dell’incenso ricavato dall’ambra grigia, sostanza prodotta nell'apparato digerente dei capodogli ed espulsa dall'animale: un ulteriore riferimento a quei processi naturali attraverso cui ciò che è estraneo o potenzialmente perturbante si trasforma in qualcosa di prezioso.

Peter Flaccus si concentra sulla tecnica dell’encausto, antica pratica pittorica che l’artista ha approfondito e rinnovato attraverso una costante sperimentazione tecnica e formale. Da questa ricerca nasce un linguaggio astratto caratterizzato da raffinate gamme cromatiche e da una particolare attenzione alle qualità fisiche della materia. Le superfici, talvolta lisce e riflettenti come specchi, altre volte attraversate da incisioni, segni e dislivelli, diventano luoghi di dialogo tra rigore geometrico e dinamismo cromatico. Le sue composizioni evocano forme e processi del mondo naturale, muovendosi tra dimensione microscopica e cosmica, in un equilibrio di misure, tensioni e stratificazioni materiche.

Bisticcio si configura così come una resistenza silenziosa, insistendo sul fare manuale come pratica di ascolto e di negoziazione con l’altro, in un costante movimento alla ricerca della meraviglia.

Biografie

Jonathan Colombo

Jonathan Colombo (1995), vive e lavora a Milano. Laureato presso ABAV (Venezia) e NABA (Milano). Artista multidisciplinare, si muove tra la performance, l'installazione e il disegno.

Tra i progetti a cui ha partecipato: mostra bipersonale con Iacopo Pesenti, Anticamera, Galleria Arrivada (Milano, 2021); progetto/mostra collettiva itinerante Venice Time Case, curata da Luca Massimo Barbero (2021-in corso); mostra collettiva New Art Frontiers, Altro Mondo Creative Space, Manila, PH, 2025; performance e mostra Alito con Alan Silvestri in occasione di Stazionalini- rediscovering bagagliera, curata da Fondazione Malutta in collaborazione con Dolomiti Contemporanee (Borca di Cadore, BL, 2025); Performance Major Pant Pace con Stefano Cavaliero, nell’ambito della residenza Incarto, curata da Ljuba Ciaramella (Colle Di Val d’Elsa, SI, 2026). Collabora con musei e associazioni nell'ambito dell'educazione con progetti performativi.

Peter Flaccus

Peter Flaccus è un pittore americano trasferito a Roma all’inizio degli anni Novanta. Nella realizzazione dei suoi quadri astratti impiega la tecnica dell’encausto, un antico procedimento pittorico basato sull’uso della cera di api. 

Nato a Missoula, Montana, Peter Flaccus si è laureato presso l’Amherst College, ha frequentato la Skowhegan School of Painting and Sculpture, conseguendo il Master of Fine Arts presso l’Indiana University. A New York negli anni Settanta ha dato inizio alla sua carriera artistica con mostre in numerose gallerie, tra cui la Zabriskie Gallery e la Monique Knowlton Gallery. Ha vinto varie borse di studio, tra cui la “New York Foundation for the Arts”; è stato invitato presso alcune residenze per artisti, tra cui la Yaddo Residency (New York), la MacDowell Colony (New Hampshire). Nel 1989 ha curato la mostra Belief in Paint al Museo del Bennington College, Vermont.

Trasferitosi a Roma all’inizio degli anni Novanta, l’artista collabora con gallerie in Italia, Francia, Svizzera, e gli Stati Uniti. Tra le mostre personali e collettive più recenti si segnalano September Song (2025) e The Flat Earth (2022) presso Maja Arte Contemporanea, Roma; The Painting is a Place (2023) presso Palazzo Merulana, Roma; Oasis (2023) presso Gallerie Riunite, Napoli; Combustions à froid (2021) presso Galerie L&C Tirelli, Vevey, Svizzera; Inclusions (2019), ancora presso Maja Arte Contemporanea; Mondi. Peter Flaccus e Luca Padroni (2018) presso Intragallery, Napoli; e Peter Flaccus (2015), a cura di Tanja Lelgeman, presso Palazzo Cerio, Capri/Intragallery, Napoli; Ritorno a Napoli (2014), a cura di Tanja Lelgeman, presso Intragallery, Napoli; e Peter Flaccus – Matteo Montani (2014) presso Otto Gallery, Bologna.

Bisticcio
Jonathan Colombo - Peter Flaccus

28 novembre 2026 – 30 gennaio 2027
Gallerie Riunite, via Cavallerizza a Chiaia 57, 80121, Napoli
Opening: sabato 28 novembre 2026 dalle 11:30 alle 14:00

pubblica: 

amalia di Lanno 

www.amaliadilanno.com     

Alice Papi Ho paura di te: sei così bello!

Alice Papi, Carcassa I, 2026 

Venerdì 13 novembre a Roma, presso MAGTRE apre al pubblico la personale di Alice Papi dal titolo Ho paura di te: sei così bello! La mostra, a cura di Valeria De Siero e MAGTRE, presenta le ultime opere pittoriche realizzate dall’artista nell’arco del 2026. 

Il titolo riprende un verso della poetessa Patrizia Valduga (Castelfranco Veneto, 1953), anticipando le sottese relazioni antitetiche dei nuovi dipinti di Alice Papi. La bestialità in senso lato, la ricerca e la fuga, la passione e la morte, sono solo alcuni dei filoni tematici che attraversano i lavori dell’artista. La pratica pittorica risulta a tratti gestuale, altre volte più grafica, con accenni di figurazione che tuttavia coesistono in un piano astratto, senza seguire una “gerarchia” dell’immagine, prediligendo una complessiva organicità. A contribuire, in questo senso, sono le scelte cromatiche; le sfumature della terra, del sangue vivo, del fiele. 

Alice Papi (Roma, 1997) si laurea nel 2023 in Pittura presso l’accademia RUFA – Rome University of Fine Arts. Ha lavorato come assistente per Luca Grechi, Mauro di Silvestre, Josè Angelino e Diego Miguel Mirabella. Nel 2024 partecipa alla residenza Litogenesi Casalinga per Progetto Borca (Dolomiti Contemporanee) e alla residenza Tracce di luce organizzata dal CISAV (Centro Indipendente Studi Alta Valle del Volturno). Prende parte a diverse mostre collettive (tra cui El mejor del mundo, a cura di Valeria De Siero presso Bar Cuba Gelati Sanson; Detriti frammenti schegge breccea cura di Gianluca d’Incà Levis presso Nuovo Spazio di Casso; Defending the Demons of Self-Interpretation a cura di Andrea Romagnoli presso Curva Pura). Nel 2026 Valentina Ciarallo cura la sua mostra personale Orientamenti Provvisoripresso Studio C3mento per Open House. Lavora inoltre come pittrice decoratrice per scenografie (tra le ultime: The Rake's Progress per il Teatro dell’Opera di Roma, Un ballo in maschera per il Maggio Musicale Fiorentino di Firenze, Sindbad per il Royal Opera House di Muscat, Oman).

MAGTRE è uno spazio indipendente che si dedica all’arte contemporanea da oltre un decennio. Concepito come una project room, MAGTRE accoglie e promuove le ricerche di artisti affermati ed emergenti, offrendo uno spazio di sperimentazione in cui linguaggi, pratiche e visioni differenti possano incontrarsi e dialogare. La pittura costituisce il principale campo d’indagine, intesa non come territorio circoscritto, ma come pratica in continua evoluzione, capace di interrogare il presente e confrontarsi con le trasformazioni dell’arte contemporanea. MAGTRE è gestito dagli artisti Marco Affaitati, Roberto Ciangola, Guido D’Angelo, fondatore dello spazio, e Antonella Nardi. 

Ho paura di te: sei così bello!

Artisti: Alice Papi

Curatrice: Valeria De Siero

Tipologia: Mostra 

Luogo: MAGTRE, Via Flaminia 26, Roma

Periodo: 14 novembre – 29 novembre 2026 

Orari di apertura: su appuntamento 

Ingresso libero 

Per informazioni: 

magtrestudio@gmail.com

https://magtrestudio.wordpress.com/

pubblica: 

amalia di Lanno 

www.amaliadilanno.com   

Theo Gallino - Intersection

Theo Gallino, senza titolo, 2009, ferro trattato, 31x24x40 cm

Alla Fondazione Filiberto e Bianca Menna la mostra Intersection, un’ampia antologica di Theo Gallino,, visitabile fino 10 gennaio 2027, in collaborazione con il Lavatoio Contumaciale, il TOMAV Experience e l’Associazione FigurAzioni.

Tra le molteplici direzioni attraverso cui è possibile avvicinare il lavoro di Theo Gallino, quella della superficie appare forse una delle più rivelatrici. Consente di comprendere come la sua ricerca si collochi in una zona di confine tra materia e percezione, tra presenza fisica e dimensione immateriale.

La superficie, nelle sue opere, non è mai un semplice limite esterno, una pellicola destinata a separare le cose o a definire l’apparenza di un oggetto. È piuttosto il luogo nel quale le relazioni accadono, il punto sensibile attraverso cui la materia entra in contatto con il mondo. In ogni suo lavoro vige la regola del ibridità, dell’incrocio materico dove un oggetto o un corpo fragile (un fumetto d’altri tempi, un fiore di campo, della sabbia), incontra il gesto dell’artista per esserne avvolto (è il caso del pluriball che funge tra l’altro da lente d’ingrandimento deformante) o assorbito (è il caso dei gessi, delle carte, delle terracotte, di alcuni metalli, delle cere debitamente stipate in ampolle di vetro).

Da questo punto di vista, la superficie diventa una sorta di luogo atmosferico poiché raccoglie luce, riflessi, ombre, variazioni ambientali. Non è soltanto ciò che vediamo, ma ciò attraverso cui vediamo. In altre parole è un medium nel senso più profondo del termine, è qualcosa che permette la relazione con le cose di natura o con gli oggetti del quotidiano.

Realizzate nell’arco degli ultimi quarant’anni, le opere che Gallino presenta oggi alla Fondazione Menna esprimono appieno le sue riflessioni. Pongono al centro dell’attenzione una serie di strumenti che portano il fruitore a riconoscere la materia come presenza viva e attiva, come luogo di memoria, come agente di conversione della forma.

Attraverso la materia Gallino indaga il tempo, la percezione, la memoria, il rapporto tra uomo e ambiente. Attraverso la materia restituisce complessità a ciò che l’abitudine tende a semplificare. Attraverso la materia ricorda che il mondo non è un insieme di oggetti separati, ma una trama di relazioni in continua trasformazione.

Il direttore della Fondazione
Antonello Tolve


Theo Gallino
Intersectiona cura di Antonello Tolve
24 ottobre 2026 – 10 gennaio 2027
lunedì-giovedì 10.00-13.00 (o su appuntamento)
Fondazione Filiberto e Bianca Menna
Via dei Monti di Pietralata 16 – Roma
Info www.fondazionemenna.it | info@fondazionemenna.it | T +39 089 254707

pubblica: 

amalia di Lanno 

www.amaliadilanno.com   

CODE PAINTING. Gabriel De Gaudi e Marco Corridoni

Code Painting presenta nuove serie di dipinti, che, volontariamente o meno, sono soggetti a forze che li distruggono e li riformano. Le opere affrontano le mitologie della creazione,,tracciando i confini sottili tra fare, distruggere e ricreare nell’arte, attivando nuovi codici nel linguaggio, nella vita. Mettendo in primo piano gli atti di creazione dei segni, la mostra stabilisce parallelismi emotivamente significativi tra come percepiamo il mondo e il mondo materialmente presente della pittura stessa.

Il dialogo tra i due artisti attiva una narrazione polivalente nella quale è protagonista indiscussa la pittura come tensione, afasia, rivelazione e codice.

Nella serie “Blind Series”, Marco Corridoni lavora sulla distanza tra vedere e capire, tra trasmettere un messaggio e riuscire a raggiungere l’altro. Il braille, una scrittura nata per superare una barriera sensoriale, viene sottratto alla funzione per cui esiste. Nei dipinti più recenti i punti sembrano emergere dalla tela, ognuno con la propria luce e la propria ombra, ma la superficie è piatta: la pittura rende visibile un linguaggio che non si può più leggere attraverso il senso per cui è stato concepito. La contraddizione assume forme diverse, in “The Meaning”: una pagina di braille autentico, leggibile con le dita, sta dietro una lastra trasparente. Il linguaggio rimane integro, ma la possibilità di accedervi viene negata. Le frasi della serie sono richieste di attenzione, tentativi di contatto, dichiarazioni di impotenza. Si rivolgono a uno spettatore che può vedere senza leggere, riconoscere senza comprendere, avvicinarsi senza riuscire a entrare in relazione. In questa serie il braille, prima che una metafora, è una scrittura. Corridoni ne altera concretamente le condizioni di lettura. Le opere mettono così in discussione un presupposto apparentemente ovvio, eppure sempre più fragile: che rendere disponibile un’informazione significhi renderla davvero accessibile.

La pittura di Gabriel De Gaudi si muove lungo il confine sottile che separa il pensiero dalla sua resa cromatica e visiva. Il ciclo “Mente Nuda” costituisce una radicale apertura. Nelle opere di questo progetto la superficie pittorica si spoglia di ogni sovrastruttura. Il colore non rimane un elemento passivo, ma agisce come campo di frequenza e massa visiva, trattenendo la luce per poi restituirla come tensione pura. È una pittura che chiede una presenza diretta: un punto di rottura, un’ ‘ebollizione’ interna in cui il campo cromatico sollecita chi osserva, chiamando lo spettatore a entrare in risonanza con lo spazio dell’opera e a fare esperienza della sua totale e nuda essenza. I materiali grafici della mostra sono stati realizzati dal digital designer Roberto Cannarile in collaborazione con AAC Platform. Dal 2018, Cannarile lavora con la tecnologia e i nuovi media, spaziando dai video d’animazione alla creazione di esperienze e ambienti digitali. Tra le sue collaborazioni: Fabrica Research Centre, la residenza artistica del Gruppo Benetton a Treviso.

***

Marco Corridoni (San Severino, 1991) vive a Verona, lavora tra disegno, pittura e tecnica mista. 

Le sue opere mettono in scena immagini accessibili solo in apparenza: superfici ferite, corpi interrotti, codici visibili ma non subito leggibili. La pratica si concentra sul punto in cui presenza materiale e inaccessibilità convivono, trasformando il linguaggio in immagine e l’immagine in soglia.

Gabriel de Gaudi (Pesaro, 1956) è un artista attivo dagli anni ’80, con una formazione all’Accademia di Belle Arti di Urbino. La sua ricerca attraversa pittura, scultura e installazione, sviluppando un linguaggio astratto che unisce rigore formale e tensione poetica.

Camilla Boemio è curatrice associata di “AIM Inundated” il Padiglione Nazionale della Repubblica di Nauru alla 61st La Biennale di Venezia e “Stateless Mind Pavilion” alla 16th Gwangju Biennale, in Sud Corea.

Sede AOCF58 - Galleria BRUNO LISI, via Flaminia 58 - Roma (metro A fermata Flaminio)
Artista Marco Corridoni, Gabriel De Gaudi
Titolo Code Painting
A cura di Camilla Boemio
Collaborazioni AAC Platform – graphic e digital designer Roberto Cannarile

Inaugurazione Sabato 7 novembre 2026, ore 18.00 – 21.00
Periodo 7/11/2026 - 27/11/2026
Orario dal lunedì al venerdì ore 17.00 - 19.30 (chiuso sabato e festivi)

pubblica: 

amalia di Lanno 

www.amaliadilanno.com   

COME VIVONO GLI ARTISTI?

Alex Urso, Dipingere le nuvole (2021-2022). Courtesy the artist  

Inaugura il 13 ottobre alle ore 18 la mostra Come vivono gli artisti?, promossa dall’Istituto Italiano di Cultura di Varsavia, che la ospita, in collaborazione con Gruppo21.

A cura di Santa Nastro e Alex Urso coinvolge gli artisti italiani e polacchi, in un dialogo attivo tra le due realtà, Maess Anand, Alicja Bielawska, Eva Frapiccini, Piotr Hanzelewicz, Igor Kubik, Luana Perilli, Alessandro Scarabello, Giuseppe Teofilo, Alex Urso. In occasione del finissage, il giorno 11 dicembre, la mostra ospiterà una azione della performer Veronica Vagnoni. La mostra sarà presentata in anteprima il 10 ottobre, in occasione della Ventiduesima Giornata del Contemporaneo.

Come vivono gli artisti? La domanda sembra semplice, ma porta con sé una questione più ampia: quanto è possibile vivere della propria pratica artistica e quanto lavoro serve per poter continuare a farla? L’immagine dell’artista completamente dedito alla propria ricerca nasconde spesso una realtà molto diversa. Per molti artisti, infatti, portare avanti più lavori contemporaneamente è una condizione necessaria: insegnare, curare mostre, scrivere, occuparsi di comunicazione, collaborare all’organizzazione di eventi, lavorare come freelance o svolgere professioni che non hanno alcun rapporto con l’arte. Non si tratta necessariamente di una scelta. Spesso è il modo attraverso cui la pratica artistica può continuare a esistere. La mostra prova a fare luce su questo fenomeno, mettendo in relazione artisti italiani e polacchi che, pur nelle differenze dei rispettivi contesti, vivono una condizione professionale affine: una condizione “plurale”.

Una ricerca di AWI-Art Workers Italia condotta su 440 artisti mostra che l’80% degli intervistati svolge altri lavori oltre alla propria ricerca. Il dato è significativo non tanto perché quantifica il cosiddetto “secondo lavoro”, ma perché evidenzia quanto sia difficile separare la pratica artistica dalle altre attività necessarie a sostenerla.

Nel 2022, sempre in Italia, esce per Castelvecchi, nella collana Fuoriuscita, il libro di Santa Nastro, Come vivono gli artisti? Vita, economia, rapporto con il settore e pratica. Nel 2026, nella stessa collana, Nastro pubblica il libro Mamme nell’arte. Artiste e operatrici culturali nella sfida della maternità. Tra il 2021 e il 2022, anche Alex Urso affronta il tema attraverso una personale interpretazione, con la serie Dipingere le nuvole: una raccolta di 365 fotografie – una per ogni giorno dell’anno – che ritraggono l’artista nell’atto di dipingere il cielo. La serie, presentata in mostra, prende spunto da una delle precedenti esperienze lavorative dell’artista, qui reinterpretata in chiave poetica per indagare le complessità del lavoro artistico e i suoi aspetti spesso meno visibili.

La mostra nasce proprio da questa riflessione condivisa, al tempo stesso pratica e teorica, che accomuna la ricerca di Nastro e Urso.

Il tema dei lavori “altri” degli artisti rimane però poco visibili, quasi nascosto, all’interno di un sistema dell’arte che tende sempre più a concentrarsi sul risultato: una mostra, una residenza, una biennale. Molto meno spazio viene dato invece a tutto ciò che viene prima e dopo la realizzazione di un’opera: le ore trascorse a lavorare fuori dallo studio, la ricerca senza un risultato immediato, la gestione amministrativa, il lavoro di cura, la maternità, le difficoltà economiche. Tutto questo sembra appartenere alla vita privata, quando invece costituisce una tra le parti fondamentali del lavoro artistico.

La stessa situazione emerge, con caratteristiche proprie, anche nel contesto polacco. Una ricerca nazionale del 2024, Policzone i policzeni. Artystki i artyści w Polsce 2024, ha stimato circa 62.000 persone professionalmente attive come “artisti”. Circa il 90% di questi presenta redditi irregolari; solo l’11% ha un contratto di lavoro stabile, mentre il 15,3% lavora senza contratto, e il 10,4% non dispone di assicurazione sociale. Certo, questi numeri non significano che il 90% degli artisti polacchi abbia necessariamente un secondo lavoro. Dicono però qualcosa di altrettanto importante: la pratica artistica si sviluppa spesso in condizioni economiche instabili e attraverso forme di lavoro frammentate, che finiscono inevitabilmente per incidere anche sulla ricerca e sulla realizzazione delle opere.

Italia e Polonia mostrano, in sintesi, una condizione comune: l'arte viene riconosciuta come importante, ma il lavoro che la rende possibile rimane spesso fragile. La precarietà non riguarda soltanto il reddito. Riguarda il tempo, la possibilità di programmare il futuro, l’accesso alla previdenza, la possibilità di fermarsi in un sistema che ci richiede sempre operativi, e ancora più semplicemente, quella di vivere senza dover trasformare ogni momento della propria vita in un’opportunità professionale.

Gli artisti presenti in mostra, con le loro differenze anagrafiche, formative e professionali, offrono interpretazioni diverse del tema.

La mostra non intende offrire una risposta univoca a queste riflessioni, racconta infatti il senso di precarietà attraverso una lente molto ampia, che non è solo sociale, ma anche psicologica, sentimentale ed esistenziale, dando il senso di una dimensione che è umana oltre che di mestiere.

Come vivono gli artisti? si pone soprattutto il problema di sollevare domande e portare all’attenzione un tema urgente e ancora poco discusso. Parlare delle condizioni di vita degli artisti significa spostare lo sguardo dall’opera a ciò che la rende possibile. Significa considerare parte integrante del lavoro anche tutto ciò che normalmente non viene mostrato: il tempo, le difficoltà, le attività parallele e le condizioni materiali che permettono alla pratica artistica di esistere.

Opening: 13 ottobre ore 18
fino all’11 dicembre 2026

Come vivono gli artisti? a cura di Santa Nastro e Alex Urso

Con: Maess Anand, Alicja Bielawska, Eva Frapiccini, Piotr Hanzelewicz, Igor Kubik, Luana Perilli, Alessandro Scarabello, Giuseppe Teofilo, Alex Urso

Performer: Veronica Vagnoni- La performance si svolgerà l'11 dicembre in occasione del finissage

Istituto Italiano di Cultura di Varsavia

Włoski Instytut Kultury w Warszawie

ul. Marszałkowska 72, Warszawa

https://iicvarsavia.esteri.it/it/

pubblica: 

amalia di Lanno 

www.amaliadilanno.com   

Pierluca Cetera presenta “Ritratti di Famiglia”

Ripartono gli appuntamenti con l’arte contemporanea di Spazio MICROBA, che presenta RITRATTI di FAMIGLIA, mostra di Pierluca Cetera a cura di Riccardo Pavone e Marialuisa Sorrentino con il contributo critico di Nicola Zito, che sarà inaugurata giovedì 15 ottobre 2026, alle ore 18,30.

Il nuovo progetto di Pierluca Cetera è composto da una serie inedita di dipinti a olio, che “introduce una famiglia immaginaria e una possibile narrazione noir” in cui la luce si configura come elemento che condiziona la rappresentazione dei ritratti e dei doppi, all’interno di una lettura personale dell’idea di “negativo” che si sostanzia anche a livello fotografico, con i lightbox realizzati da Enrico Cetera, e testuale, attraverso il Test in negativo di Marco Cetera.

L’esposizione delle opere di Pierluca Cetera, realizzata in collaborazione con l’Associazione culturale Achrome e inserita in De corporis fabrica, programma di esposizioni curato da Riccardo Pavone, Marialuisa Sorrentino e Nicola Zito, resterà aperta e visitabile fino al 14 novembre 2026, su appuntamento, dal lunedì al sabato, dalle ore 17 alle ore 20.

MICROBA si pone lontano dal canonico concetto di galleria d’arte e, anche in questo nuovo ciclo di eventi, rinnova la propria aspirazione di spazio laboratoriale e sperimentale. Attraverso le opere e le esperienze di artisti giovani ma già di respiro nazionale e internazionale, il centro barese persegue la propria missione nel territorio e intende introdurre stimoli di riflessione nel contesto culturale circostante.

L’Associazione culturale Achrome è un collettivo che opera nel campo dell'Arte Contemporanea, muovendosi tra molteplici ambiti, dalla didattica alla ricerca, dall'organizzazione di eventi espositivi alla formazione professionale. Intessendo rapporti con il territorio, Achrome si propone di favorire un rinnovato e più proficuo dialogo tra la città – e i suoi abitanti – e le dinamiche dell'Arte Contemporanea.

Pierluca Cetera

Artefice “curioso”, concepito nel romantico 14 febbraio 1969, nasce puntualmente il 13 novembre dello stesso anno.

Sin da piccolo la sua mente è occupata da strane rappresentazioni, che vagano nel Vuoto.

Dal 2000 le sue fantasie hanno cominciato a popolare dipinti su tele, carte, tavole, pietre, velluti, acetati, vetri e ferri.

Idioti trasudati, indovinelli, emicranie, cavie, Down, tarli, Castigate, sCreanzati, Cariatidi, Luciferi, Indigesti, Ospiti, Sirene, ecCetera hanno cominciato a diffondersi dalla Puglia fino alla Cina.

Ama anche collaborare con altri artisti e per Ritratti di famiglia ha coinvolto il fratello Marco e il figlio Enrico, affidando loro rispettivamente la parola e la fotografia.

Il resto, come nelle migliori famiglie, è ancora da indagare.

Pierluca Cetera

RITRATTI di FAMIGLIA

A cura di Riccardo Pavone e Marialuisa Sorrentino

Testo critico di Nicola Zito

Con il contributo di Enrico Cetera – lightbox

e Marco Cetera – Test in negativo

MICROBA

Via Giambattista Bonazzi 46

70123 – Bari

Inaugurazione: giovedì 15 ottobre 2026, ore 18,30

Dal 15 ottobre al 14 novembre 2026

Su appuntamento, da lunedì a sabato, dalle ore 17 alle ore 20

Info:

MICROBA

+39 3927385558 – spaziomicroba@gmail.com

ACHROME

associazioneachrome@gmail.com

JUST di Pierpaolo Miccolis a cura di Nicola Zito

Domenica 11 ottobre 2026, alle ore 18:30 , s’inaugura , la prima mostra personale di Pierpaolo Miccolis negli spazi di REI — Arte / Ricerca (via Indipendenza, 20, Alberobello), che incomincia così il suo percorso come spazio dedicato all’arte e alla ricerca.

L’esposizione raccoglie una selezione di opere recenti di Miccolis, tra acquerello, sumi-e e pittura a olio , che approfondiscono tematiche legate all’autonomia dell’immagine e al rapporto tra segno e vuoto, esplicitate attraverso una pittura intesa come momento di osservazione e di silenzio.

La mostra, a cura di Nicola Zito , sarà visitabile su appuntamento fino al 15 novembre 2026 .

Info: *pierpaolomiccolis@gmail.com – +39 338 1822197