mercoledì 19 aprile 2017

Elena Bellantoni. DreamEscape


DreamEscape
un percorso tra pittura e video nella poetica di Elena Bellantoni
a cura di Saverio Verini
Testi critici di Antonello Tolve, Saverio Verini, Claudio Zambianchi

inaugurazione giovedì 20 aprile ore 18.30
20 aprile - 26 maggio 2017

La galleria Richter Fine Art ha il piacere di inaugurare, giovedì 20 aprile, DreamEscape, mostra di Elena Bellantoni a cura di Saverio Verini.

L’artista torna a Roma, dopo diversi anni, con una personale che accompagna lo spettatore in un viaggio “onirico”, dall'infanzia al presente, e che attraverso paesaggi e visioni ci parla di bellezza, natura e decadenza. Con DreamEscape Elena Bellantoni si misura con un mezzo a lei caro, la pittura, ma poco impiegato nelle sue mostre; un linguaggio coltivato quasi parallelamente e in maniera “appartata” rispetto, per esempio, al video. Un progetto che fa emergere un lato inedito della produzione dell’autrice, che afferma ancora una volta la volontà di sperimentare e cambiare volto al proprio lavoro, mantenendo tuttavia una forte coerenza concettuale. Per la serie di opere DreamEscape, da cui la mostra prende il titolo, l’artista espone dei dipinti di giovani donne nigeriane immerse in paesaggi lussureggianti; lo scenario apparentemente idilliaco è “sporcato” da dettagli che rivelano come la presenza delle ragazze in quel contesto sia legata al mercato della prostituzione. Grazia e degrado, innocenza e carnalità entrano nelle composizioni con la stessa forza, testimoniando l'attenzione e la forte spinta dell’artista verso temi politici e sociali.

Come afferma l’artista: «Il processo che ho messo in atto per questa mostra procede come sempre per strati e su vari livelli: quello visivo, personale, relazionale, sociale e politico. Ho lavorato a questa produzione pittorica con lo stesso approccio in cui lavoro ai video o alle mie performance».

La mostra continua al piano inferiore della galleria con il video The Beauty and the Beast. Anche nel video, il mezzo che forse maggiormente ne contraddistingue il lavoro, Elena Bellantoni ha sempre avuto un approccio “pittorico”, fatto di valori chiaroscurali, di ombre e luci, di immagini ricreate sapientemente. Di nuovo un lavoro sull’infanzia, la violenza e la natura che mostra una bambina mentre si aggira in un grande museo di scienze naturali, osservando animali impagliati e leggendo un estratto de La banalità del male di Hannah Arendt.

DreamEscape è infine anche un lavoro sull’identità. Il volto delle protagoniste non viene mai restituito, sia le giovani donne rappresentate, che la bambina presente nel video, sono spesso colte di spalle, celate; un lavoro sull'infanzia perduta, in cui l’elemento dell’esotico emerge al contrario: i dipinti infatti non nascono solamente dalla memoria del viaggio in Africa dell’artista ma anche da una serie di bozzetti e fotografie scattate sulla via Laurentina, che da Roma porta verso Anzio o rielaborate dal web. Le prostitute, da sempre corpo-oggetto, come le modelle per i pittori, si trasformano in qualcos’altro: non sono più rappresentate per il loro erotismo, ma in questo caso sono racchiuse nel loro mistero/sogno dando le spalle al mondo, denunciando la loro fragilità.

La galleria Richter Fine Art, a pochi passi da Castel Sant’Angelo, nasce per volontà di Tommaso Richter, trentenne, collezionista e appassionato d’arte, che ha avviato l’attività ristrutturando l’antica bottega di un fabbro, proprio accanto allo spazio espositivo dedicato all’antiquariato e gestito dalla famiglia: una prosecuzione quasi fisiologica dell’attività, che dall’arte antica arriva ai giorni nostri.

Tommaso Richter definisce fin da subito la direzione della galleria, che intende presentarsi come un “laboratorio” di sperimentazione attorno ai linguaggi della pittura e alle possibilità che il mezzo offre, come testimoniato dalla mostra collettiva Non amo che le rose che non colsi, aperta da ottobre a dicembre 2016 e la prima personale a Roma dell’artista iraniana Zanbagh Lotfi È stato forse ieri terminata il 21 marzo.

______________________________________________________________________________ Elena Bellantoni (Vibo Valentia, 1975) lavora tra Roma e Berlino. Laureata in Arte Contemporanea, studia anche Parigi e a Londra, dove consegue un MA in Visual Art al WCA University of Arts London. Approfondisce il teatro-danza e le arti performative: la sua ricerca si incentra sui concetti di identità ed alterità attraverso il linguaggio e l’uso del corpo come strumento di interazione. Tra le ultime personali: 2016, Hale Yella addio/adios, Viamoroni SpazioArte, Bergamo; 2015, Lucciole, Spazio Alviani, Pescara; 2014 Passo a Due, Careof DOCVA, Milano; Dunque siamo.., Fondazione Filiberto Menna, Museo Archelogico di Salerno. Tra le collettive: 2016, Beyond Borders. Transnational Italy, British School at Rome; The Picutre Club, American Academy in Rome; Al-Tiba9 Algiers, Bardo National Museum, Algeria; 2015, Capolavori dalla Collezione Farnesina; Uno sguardo sull’arte italiana dagli anni Cinquanta ad oggi, Museo di Arte Contemporanea di Zagabria, Croazia. Tra le residenze: 2016, Soma Residency, Mexico City, Messico; 2014, Careof Residency Program DOCVA, Milano. Tra i premi: 2009, Movin'up G.A.I., Torino con un progetto a Santiago del Cile; 2012, bando NGBK, progetto In Other Words, realizzato alla Kunstraum Kreuzberg Bethanien di Berlino. Collezioni pubbliche: nel 2014 entra nella Collezione Farnesina, presso il Ministero degli Affari Esteri, Roma.



Vademecum:
Titolo: DreamEscape
Artista: Elena Bellantoni
A cura di: Saverio Verini
Testi critici di: Antonello Tolve, Saverio Verini, Claudio Zambianchi
Luogo: galleria Richter Fine Art, vicolo del Curato, 3 – Roma
Inaugurazione: giovedì 20 aprile 2017 dalle ore 18.30, ingresso libero
Durata mostra: dal 20 aprile al 26 maggio 2017
Orari: dal 21 aprile al 26 maggio 2017: dalle 13.00 alle 19.30 dal martedì al venerdì e il sabato dalle 09.00 alle 20.00.

Email: tommaso.richter.85@gmail.com
Fb account: Galleria Richter Fine Art
Il catalogo sarà disponibile in galleria.

Ufficio Stampa: Chiara Ciucci Giuliani mob. +39 3929173661 email: chinapressoffice@gmail.com

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Lucia Lamberti. Sulle arie, sulle acque, sui luoghi


Sabato 22 aprile 2017 alle ore 18.00 la Galleria FabulaFineArt presenta Sulle arie, sulle acque, sui luoghi, personale di Lucia Lamberti a cura di Maria Letizia Paiato. Dirigibili, navi da guerra, paesaggi portuali, città che si specchiano nell’acqua, ponti, mappe, sono alcuni dei soggetti protagonisti della “fabula” visiva di Lucia Lamberti. Come in un romanzo, l’artista snoda per immagini l’esplorazione di fatti, luoghi e accadimenti, intrecciando a vicende storiche la vita individuale delle persone, interagendo simultaneamente con chi si accosta alla sua opera. Il dato figurativo è solo il primo livello di lettura cui Lamberti ci mette di fronte, o meglio è la traccia visuale che si offre allo spettatore quale incipit di un cosmo romanzesco, articolato e da scoprire. Poco alla volta, nell’addentrarsi fra le sale della galleria, con un incalzare narrativo, Lamberti ci conduce in quell’“ambizione panoramica” (Roger Caillos) dove è implicita l’attività umana e in luoghi dove la storia progressivamente si fa storia dell’Europa, dunque anche delle nostre radici culturali. Come in dei fermo immagine fotografici, Lamberti fissa pittoricamente delle scene, dei momenti quotidiani immersi nel lento scorrere del tempo, in apparenza ordinari. Si tratta di sfondi che, frutto di accurate ricerche di archivio, l’artista fa riaffiorare dal passato, contestualizzandoli al presente, attraverso un complesso procedimento di concettualizzazione della ricostruzione storica. Traslati al piano bidimensionale del quadro, essi si traducono in pitture in cui emergono suggestioni di memorie collettive e individuali. Le serie Luftschiffe, Koenigsberg, Landscape paintings, e Organic landscape, cui si aggiunge per questa mostra un inedito lavoro sulle Isole Svalbard, per la prima volta esposte tutte assieme, sono gli ideali capitoli di una successione di avvenimenti concatenati nel tempo fittizio proposto da Lamberti che, come una scrittrice, compone e trasforma la storia in sequenze pittoriche. In questo modo, tutta la sua opera si mostra come un vero e proprio “intreccio”: ogni singolo dipinto rappresenta un punto di partenza dal quale progredire in un personale ordine degli avvenimenti. In questa concatenazione, le opere di Lamberti prendono la parola, nell’alternanza continua di più storie simultanee che, ora l’una ora l’altra, s’interrompono per poi essere riprese secondo un procedimento che ricorda quello cinematografico. E l’elaborazione di scatti provenienti da archivi web specializzati nel fermo-immagine, lo rammentiamo qui, è proprio la peculiarità che ha distinto il dipingere dell’artista nell’arco della sua carriera e fino al 2009. Attraverso la pittura, Lamberti restituisce consistenza e permanenza a qualcosa di estremamente liquido e incorporeo quale è l’immagine dissolta nella rete, così in queste serie più recenti, essa reintegra persistenza a documenti dispersi e dimenticati, quindi a storie di cui si sono perse le tracce. Nel rimettere in circolo la Storia, l’artista allarga il suo obiettivo al senso generale del vivere e dell’abitare. Non a caso, infatti, Il titolo della mostra è un’esplicita citazione del Corpus, ossia uno dei libri più importanti di Ippocrate dove Le arie, le acque, i luoghi mettono l’accento sulla stretta correlazione tra le abitudini di vita e la possibile cura. Con questa precisa scelta lessicale, Lamberti sottolinea il legame fra l’esistenza, il tempo e lo spazio che, quando diventano cronaca di avvenimenti bellici, tragedie umanitarie e spostamenti di confini, si fanno sinonimo di patologia. Tuttavia l’artista, è attraverso l’atto creativo che recupera quelle memorie traumatiche della Storia non ancora elaborate, sottoponendole a una terapia per riportarle verso un’aria più salubre. (Maria Letizia Paiato).

FabulaFineArt è diretta Giorgio Cattani e si avvale di un Comitato Scientifico composto da Andrea Del Guercio e Veronica Zanirato. In galleria Annamaria Restieri e Elisa Ugatti.

Lucia Lamberti (Salerno 1973) vive e lavora tra Bologna e Salerno. Le sue opere nascono da una lunga selezione di immagini provenienti da archivi o da reportage e sono legate ad un nucleo tematico preciso, che, dal 2009, coincide con il paesaggio e le sue trasformazioni (Kaliningrad - Königsberg). La partenza dal dato oggettivo è solo il primo passo di una strategia con la quale l’artista realizza opere su carta, su tela, video e installazioni pittoriche. La cifra stilistica e la tecnica rispondono volta per volta in maniera diversa dell’argomento affrontato. Concepiti come delle serie, o, per meglio dire, dei capitoli, i suoi dipinti si collegano attraverso un nesso di senso, un grado di unione; e raccontano, avvicinandoli tra loro, storie e luoghi apparentemente lontani. Lo stesso processo creativo l’ha portata a realizzare, tra il 2006 e il 2009, cicli di dipinti dedicati alle donne armate, con immagini provenienti da archivi web specializzati nel fermo-immagine cinematografico, del genere “ragazza con la pistola”. Il suo lavoro è stato esposto in Italia e all’estero, sia in gallerie private sia in sedi istituzionali, tra cui il MNAC di Bucharest -RO; il Consolato Italiano a Bruxelles -B (solo show); la Fondazione Orestiadi a Gibellina -I; il Collegium Hungaricum a Berlino -DE; il Kaliningrad Art Museum –RU. Hanno scritto del suo lavoro: Eugenio Viola, Antonello Tolve, Achille Bonito Oliva, Gianluca Marziani, Martina Cavallarin. Le sue opere sono in collezione permanente presso TERNA, Roma, il Lentos Museum di Linz in Austria; la Certosa Di San Lorenzo, Padula, (SA) e la Fondazione Orestiadi di Gibellina (Tp).

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mercoledì 12 aprile 2017

Miriam Wuttke. Summit Fever


a cura di Barbara Fragogna
22.4 – 20.5.2017

La Fusion Art Gallery presenta SUMMIT FEVER, mostra personale di Miriam Wuttke in occasione della quale l’artista multidisciplinare berlinese presenterà un gruppo di lavori performativi, fotografici e installativi. Le opere in mostra sono il risultato della ricerca dell’artista sui temi della perdita: la solitudine, l'ansia, il silenzio, il superamento dei confini; l'abbraccio del decadimento fisico e dell'esperienza di pre-morte che si rivelano e svelano in alta quota. La mostra fa parte di COLLA la nuova piattaforma delle gallerie torinesi e rientra nel circuito di NEsxT Independent Art Network.


Push, go, rest. Return. / Spingi, vai, fermati. Torna.
di Barbara Fragogna


“The emotional anxiety of everyday life is confusing, ambiguous and diffuse, and you don’t know the source of it. In the mountains, the emotion is fear, and the source is clear: if I fall, I die.” – Mattew Barlow


Summit Fever è il desiderio compulsivo di raggiungere la vetta della montagna ad ogni costo e, per estensione, l’ossessione del perseguimento di un fine.


PUSH.
Miriam Wuttke spinge in avanti forzando teoria, desiderio, necessità e stimolo in azione praticando il trekking in alta montagna: ciclicamente, ferocemente, avidamente, sensualmente, disperatamente. La spinta è reazione, carica, bomba. Il gesto del suo corpo performativo perfora il momento statico del pensiero tormentato fine-a-se-stesso che si forma-contorce-avviluppa nella mediocrità della routinequotidiana per prorompere, solidificandosi, in una monomania mitica, rocciosa e immobile: la vetta. La spinta è slancio ascendente, fuga necessaria per trovare la solitudine del pensiero originale, aspirazione. La spinta è già risoluzione.


GO.
L’artista va avanti, compie, consegue uno stato ascetico/materico/ferino che le permette di cercare, sondare, scandagliare il pensiero violento delle sue ansie e paure più intime, subconsce e vivide contrapponendole alla paura più tangibile e banale del “crepaccio/morte”. Per mezzo di espedienti counterfobici* stana le bestie minacciose dei suoi reconditi disagi per portarle alla luce e quindi affrontarle. L’isolamento, la rarefazione, la solitudine, la mancanza, il vuoto aspiratore delle valli, degli anfratti, dei crepacci, il vortice di neve secca, di nuvole basse, di sole bruciante, gli incontri fortuiti con elementi autoctoni, edifici deturpati, oggetti semi-estinti, tracce di altre identità di passaggio, il bosco irto-alto, onnisciente cattedrale di natura umana/specchio mirabile, alterazione e alter ego. Avanti per il contingente metafisico buio di sé, il pieno/vuoto sensoriale da tenere in equilibrio grazie alla forza di volontà, alla resistenza. Resistenza. L’esperienza dell’andare avanti in Miriam Wuttke è ostinazione, scelta consapevole, non è MAI inerzia. La sua forza è un borderline estremamente bilanciato. La tensione paradossale della sua pratica, essenzialmente performativa anche nell’utilizzo degli oggetti installati, nella fotografia e in qualsiasi mezzo decida di utilizzare all’occorrenza, trionfa in un climax culminante in un fiato di sospensione statica. Un passaggio. Il momento, quel momento in cui si arriva al punto. La linea del bordo.


REST.
Arriva, fermati, riposati, sparisci, guarda. La cima, la meta, il fine perseguito. Ecco il momento in cui il pensiero interiore ruminato si confonde con la crudele bellezza del circostante. In cui il self si riscopre chimico. Dopo che i limiti del corpo hanno costretto i limiti della psiche a scendere a patti col dissolvimento, con la scomparsa nell’immanente, con la trasparenza dell’ego. Miriam Wuttkecombacia la performance atletica alla performance artistica costruendo passo dopo passo un’esperienza creativa, l’opera. Le fotografie, le impressioni, le forme rubate al paesaggio (o al simulacro del paesaggio). Gli stimoli marinano e si addensano in ciò che, in fase successiva, diverrà documento e rielaborazione. Sparire in cima. Coazione ottimizzata. Risoluzione.


RETURN.
Torna. E adesso? Sei un eroe, glorioso apice, successo infallibile. E dopo? Se l’andata ha nutrito e digerito un viluppo di pensieri autoanalitici, se la vetta è stata lo stallo, la sospensione risolutiva, un’effimera pace congelata, se il ritorno fosse la morte? Se il tornare rimanesse vuoto, vano, patetico, se nel ritorno al quotidiano ogni atto compiuto fosse riformattato, perso, disprezzato? Se non fossi tornato? Se fossi scomparso? Se fossi morto? Il ritorno di Miriam Wuttke è la sua unica e personale sintesi creativa, una dichiarazione d’intenti, il miglioramento dell’esperienza, l’installazione organica e la rielaborazione dell’atto pragmatico in azione simbolica, la condivisione con l’altro, la narrazione. Nel ritorno, morphing nell’esposizione, l’artista risponde alle domande specifiche della febbre post-epifanica con una produzione di opere che hanno lo scopo di ri-materializzane il ricordo. Rievocando un gesto di cui il pubblico ha solo una concezione letteraria e romantica, l’artista traduce l’intricato percorso svolto negli ultimi tre anni in un linguaggio condivisibile e usufruibile. L’intento è nel dialogo e nel confronto. Dal conseguimento di un risultato personale inseguito, stanato, ghermito grazie alla solitudine più totale, Miriam Wuttke non può fare a meno di tornare per raccontarcelo.

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*Counterfobia: una coazione a cercare le cause della paura o ansia invece di evitarli.


La mostra sarà inaugurata il 22 aprile. L’artista sarà presente.

Miriam Wuttke, artista multidisciplinare e art therapist.
Vive e lavora a Berlino.
E’ nata a Forchheim, in Germania.
Dal 1996-2001 ha vissuto a New York City dove, oltre a sviluppare varie collaborazioni con artisti e istituzioni, ha frequentato l’Art Students League con Larry Poons, dal 2001-2006 ha frequentato la Fachhochschule Ottersberg col Prof Hermanus Westendorp dove ha conseguito il BA, diploma in Art Sciences. Vive a Berlino dal 2006. Le sue performances, i suoi lavori e i suoi progetti sono stati esibiti a New York, Berlino, Londra, Monaco di Baviera, Amburgo, Salisburgo, Miami, Poznan, Torino, Padova, Venezia e dOCUMENTA (13) di Kassel.

Con il supporto di Edizioni Inaudite.


Mostra
Titolo: SUMMIT FEVER
Artisti: Miriam Wuttke
Date: 22 aprile – 20 maggio 2016
Luogo: Piazza Peyron, 9g, 10143 Torino
A cura di: Barbara Fragogna
Inaugurazione: sabato 22 aprile 2017
Ingresso libero
Orari di apertura: dal giovedì al sabato, dalle 16 alle 19.30 e su appuntamento


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Bizhan Bassiri. Corpo Celeste


La Fondazione VOLUME!, con il patrocinio del Comune di Todi, di E.T.A.B La Consolazione e dell’Associazione Todi per l’Arte, presenta Corpo Celeste, mostra di Bizhan Bassiri a cura di Bruno Corà, presso il Tempio di San Martino a Petroro, Todi (Pg). Altra tappa che segna l’avvicinamento alla prossima Biennale di Venezia dove l’artista rappresenterà il suo Paese, l’Iran.
Per anticipare questo grande evento, l’artista ha ideato un percorso simbolico alla scoperta della sua opera.
Il percorso parte da due siti riconosciuti patrimonio dell’Unesco, location per la Meteorite collocata nell’ottobre 2016 davanti alla Cattedrale di Palermo e del progetto inaugurato l’8 marzo 2017 a Chogha Zanbil, nella provincia del Kuzhestan, dove c’è una delle ziqqurat più antiche esistenti al di fuori della Mesopotamia, scenario per la conferenza Noor in contemporary thought. L’itinerario persiano si sposta poi ad Abadan, città dell’Iran sud occidentale, che fa da cornice all’installazione di Temple of Destiny, inaugurando il nuovo museo di arte contemporanea, costruito più di 20 anni fa, ma mai aperto fino ad oggi.
Tornando in territorio italiano, la mostra Girone della Sorte, inaugurata il 17 marzo presso il Museo Nazionale Etrusco di Chiusi, riflette attraverso uno stretto dialogo tra le opere esposte, sull’azione della sorte intesa dall’artista come “esatta coincidenza della casualità”.
La mostra che inaugurerà il prossimo 22 aprile alle ore 17.00 presso il Tempio di San Martino a Petroro di Todi riprende i temi del sacro, portando quasi a chiusura questo viaggio simbolico.
Il bianco della pietra del Tempio romanico accoglie l’opera Corpo celeste, segno di una assenza più forte della materia, un buco nero dove il buio diventa presenza metafisica. Unici riverberi di luce che rivelano il corpo dell’opera sono dati dai candelieri, Specchi solari che come quinte sceniche la completano.
In dialogo con i resti dell’affresco raffigurante San Martino di Tours una serpe in bronzo, icona ancestrale, prosecuzione del paesaggio sacro.

Info:
Bizhan Bassiri, Corpo Celeste
a cura di Bruno Corà
Opening
22 aprile 2017, h 17:00
Tempio di San Martino a Petroro, Todi (Pg)

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martedì 11 aprile 2017

Stati generali della fotografia


Stati generali della fotografia

Il Ministro dei beni e delle attività culturali e del turismo, Dario Franceschini, ha decretato la costituzione di una Cabina di regia per la fotografia, al fine di tutelare, valorizzare e diffondere la fotografia in Italia come patrimonio storico e linguaggio contemporaneo, strumento di memoria, di espressione e comprensione del reale, utile all’inclusione e all’accrescimento di una sensibilità critica autonoma da parte dei cittadini.

Con l’obiettivo di definire un piano di sviluppo volto ad adattare l’intervento pubblico alle mutazioni tecniche ed economiche del settore e a determinare nuove opportunità per la fotografia italiana a livello nazionale e internazionale, il Ministero ha indetto gli Stati generali della fotografia: due giornate di convegno sul tema con operatori, addetti ai lavori e ospiti internazionali.

La prima giornata si svolgerà a Roma il 6 aprile 2017 presso l’Istituto Centrale per la Grafica, con il seguente programma:

Inizio ore 10.00 con i saluti istituzionali del Ministro e del Segretario Generale del MiBACT

Sessione della mattina:
Conservazione e valorizzazione del patrimonio: Memoria, Identità, Futuro
modera Carlo Arturo Quintavalle

Sessioni pomeridiane:
Nuovi orizzonti per la fotogra a professionale modera Roberto Koch
Strategie di governance per la fotogra a modera Guido Guerzoni



Conclusioni


Ministero
dei beni e delle attività culturali e del turismo

Gliattidellagiornatadel6aprilesarannopresentati il 5 maggio a Reggio Emilia, in occasione della rassegna Fotogra a Europea, presso il Teatro Cavallerizza, con il seguente programma:

Inizio ore 11.00 con i saluti istituzionali del Ministro, la presentazione degli atti della giornata del 6 aprile e delle politiche ministeriali per la fotogra a

Sessione della mattina:
Rivoluzione digitale e social media: fotogra a, informazione, post verità
modera Mario Calabresi

Sessione pomeridiana:
Immagine virtuale, potere reale: la cultura delle immagini
modera Vittorio Gallese

Gli Stati generali 2017, con le giornate di Roma e Reggio Emilia, saranno la prima tappa di un percorso di dibattito e di confronto che la Cabina di regia intende avviare con gli operatori del settore, per stimolare una ri essione comune sul tema dell’immagine al ne di intraprendere azioni concrete.

Per entrambi gli appuntamenti è necessario prenotare, speci cando le sessioni cui si vuole assistere, scrivendo a: fotogra a@beniculturali.it

Roma, 6 aprile 2017
Istituto Centrale per la Gra ca – Palazzo Poli, Via Poli 54

Reggio Emilia, 5 maggio 2017
Teatro Cavallerizza – Viale Antonio Allegri 8/a


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Imago Mundi Doni - Authors from Campania



Dal 12 aprile all’ 8 maggio 2017 il museo Madre ospita Doni – Authors from Campania, un’esplorazione della produzione artistica attuale in Campania attraverso le opere di 143 artisti, nell’ambito di Imago Mundi, il progetto non profit di arte contemporanea promosso da Luciano Benetton in cui artisti di tutto il mondo, affermati ed emergenti, si misurano con lo stesso supporto, una tela di 10×12 centimetri.

Per la prima volta, il progetto in progress Imago Mundi dedica questo suo capitolo (a cura di Chiara Pirozzi) esclusivamente ad una singola regione, la Campania, in cui si sono avvicendati per millenni popoli e culture diversi, dai Greci agli Etruschi e ai Romani, dai Bizantini ai Longobardi e ai Normanni, fino a Francesi e Spagnoli, e oltre. La Campania oggi è il crogiolo vivace, stupefacente e affascinante di queste articolate radici storiche, culturali, artistiche a cui Imago Mundi rende omaggio con la presentazione al Madre di Doni – Authors from Campania, in cui le contaminazioni e i richiami, le intersezioni e i nomadismi di un’esperienza culturale antichissima e unica rivivono nell’attualità della ricerca artistica proposta della scena campana contemporanea.

Pittura, scultura, performance, video, installazione, fotografia: le molteplici forme espressive dell’arte contemporanea sono presenti e analizzate in questa collezione, che idealmente ruota attorno al concetto di “dono”: al dono delle singole opere da parte degli artisti fa da contraltare il dono dell’accoglienza nel caleidoscopio globale e democratico di Imago Mundi, in cui le opere si nutrono della loro bellezza e unicità e al contempo godono del riverbero del mosaico colorato, autentico e appassionato di cui fanno parte, nel rispetto dello spirito ideale del progetto complessivo.

La serata di presentazione del progetto sarà preceduta, giovedì 12 aprile (ore 11.30, Aula Magna), da un incontro di studio dal titolo “L’Arte del Dono” che si terrà presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli. L’approfondimento trae spunto dal tema proposto dalla raccolta campana declinando, attraverso differenti approfondimenti disciplinari, le logiche sottese all’atto del “donare” che intreccia teorie e pratiche, profilo storico e dinamiche contemporanee, traducendosi in punti possibili sulla comprensione di quale valore abbia oggi, in un’epoca di migrazioni e transiti, l’etica della reciprocità e dello scambio, un vivere civile che proceda di pari passo a temi come l’accoglienza e il rispetto.
All’incontro partecipano il direttore dell’Accademia di Belle Arti di Napoli Giuseppe Gaeta, il direttore del museo Madre Andrea Viliani, il docente ordinario di Sociologia all’Università degli Studi di Napoli Federico II Gianfranco Pecchinenda, la docente di Estetica all’Università degli Studi di Napoli L’Orientale Elena Tavani, e il duo artistico napoletano Afterall. Modera Chiara Pirozzi, curatrice, nell’ambito del progetto Imago Mundi, di Doni – Authors from Campania.

Imago Mundi è il progetto non profit di arte contemporanea promosso da Luciano Benetton: artisti di tutto il mondo, affermati ed emergenti, si stanno confrontando con lo stesso supporto, una tela di 10×12 cm; fino ad ora sono stati coinvolti 20.000 artisti da 120 Paesi, regioni e popoli, che diventeranno 26.000 entro la fine del 2017. La ricerca degli artisti di Imago Mundi è promossa attraverso i cataloghi, la piattaforma imagomundiart.com e la partecipazione a presentazioni organizzate in collaborazione con istituti privati e pubblici, in tutto il mondo: da Venezia (Biennale di Venezia e Fondazione Cini, 2013 e 2015) al NOMA Museum di New Orleans (2014-2015), dal Belvedere di Vienna (2015) al Pratt Institue di New York (2016), dalla Cina, dove Imago Mundi è impegnato fino alla fine del 2019 in un tour itinerante, a Palermo, dove la presentazione dedicata alle 21 collezioni dei Paesi del Mediterraneo ha inaugurato il percorso espositivo del 2017.


Imago Mundi
Doni - Authors from Campania
a cura di Chiara Pirozzi

dal 12 aprile all' 8 maggio 2017
Sala delle colonne (primo piano)
opening:
mercoledì 12 aprile, ore 18.00

L'Arte del Dono
incontro di studio
mercoledì 12 aprile, ore 11.30
Accademia di Belle Arti di Napoli (Aula Magna)


Museo MADRE
Via Settembrini 79, 80139 Napoli
+39.081.193.13.016

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domenica 9 aprile 2017

Dinamiche di Movimento Immobile - Maurizio Gabbana solo show



 
 
Con le sue opere della serie “Dinamiche di Movimento Immobile” il fotografo Maurizio Gabbana è al suo primo appuntamento con gli spazi di CSA Farm Gallery. Un fascinoso omaggio alla città di Torino da parte di un “lombardo verace” che vede la nostra metropoli con occhio attento e poetico e che vuole suggerirci un modo “diverso” per guardare ciò che circonda la nostra quotidianità. L’autore ci accompagna, partendo da alcuni scorci e luoghi tra i più conosciuti e frequentati dal turismo e dalla cittadinanza torinese, in uno spazio affascinante ed in perenne movimento. I monumenti, le piazze, le strutture architettoniche prendono vita come in una danza. Negli scatti fotografici in mostra la figura umana è presente, ma non è la protagonista dell’immagine. L’uomo è ammiratore e spettatore inconsapevole della bellezza che egli stesso ha creato con il proprio estro e la propria genialità. Nell’ossimoro del titolo l’essenza degli scatti fotografici qui presentati. Inaugurazione: Giovedì 20 aprile 2017 dalle ore 16.30 alle ore 21.30 Termine evento: Sabato 13 maggio 2017 alle 19.30 Orari galleria: dal Martedì al Sabato - 16.00/19.30 Chiuso Lunedì e festivi. Per altri orari solo su appuntamento. A cura di: Marcello Corazzini. Grafica: Nicozarzi graphic © Info: info@csafarmgallery.it
ph: +39 3397796065 Indirizzo Web di Facebook: www.facebook.com/cosmoshopart
 
 
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